mirada indicial

Entrevista a Sergio Bizzio para Tiempo Argentino

2011-12-14T00:16:00.001-03:00

Literatura, cine y encierro

Lo encuentro en la esquina del bar donde nos citamos y veo que trae bolsas de supermercado. Es que Sergio Bizzio además de ser escritor y cineasta cumple con sus tareas de padre y se ha comprometido a buscar a su hijo a la escuela y prepararle el almuerzo. Un mes atrás se estrenó su segundo largometraje como director, “No fumar es un vicio como cualquier otro”, le pregunto cómo fue el estreno y responde: “Como todo estreno, lleno de amigos antes de la función y repleto de mentirosos al salir”.

-Se estrenó la versión cinematográfica de tu relato “Un amor para toda la vida”, dirigida por Paula Hernández (“Un amor”, con Diego Peretti, Elena Roger y Luis Ziembrowski), imagino que ya la viste.

-Sí. La directora me había invitado antes a verla durante el proceso de edición, y también cuando apenas estuvo terminada, pero no fui. Quería verla en el cine.

-El relato en el que se basó la película, recientemente reeditado por la editorial Mansalva, cuenta una historia bastante triste, con un final frustrante. En la película este desenlace se da de otra manera.

-Sí, Hernández lo cambió por otro donde… Ah, no puedo contar el final de la película. Mi relato se dirigió hacia ese final de manera natural.

-¿Te molesta que los directores alteren o ensayen variaciones sobre tus obras?

-No. Ahora la historia tiene dos finales. La verdad es que no me involucro en el trabajo de los directores. Un director tiene que hacer su propia versión, si no estaría apenas ilustrando un texto, y eso no parece muy interesante para nadie. Con la idea sola no alcanza. Como decía Borges: “No alcanza con ser bueno, además hay que filmar”.

Bizzio es uno de los escritores argentino más llevados al cine. Además de la película de Paula Hernández, ya comentada, "Adiós querida luna", de Fernando Spiner, se basa en su obra de teatro, "Gravedad". “XXY”, de Lucía Puenzo, toma como eje su cuento "Cinismo", del libro "Chicos". Su premiada novela "Rabia", la filmó Sebastián Cordero, con producción de Guillermo del Toro (“El laberinto del fauno”, “Hellboy”) en España. Emilie Deleuze, la hija del gran filósofo Gilles Deleuze, va a filmar en Francia una película sobre su novela “Realidad”. Y una productora brasileña está en proceso de realizar una película en base a otra obra suya, "Era el cielo".

–¿Podríamos decir que tu literatura es muy fílmica y tus películas muy literarias?

–Podríamos decir cualquier cosa (risas). A mí me gustan mucho las películas que son también para leer, las películas en las que los diálogos y la narración oral parecen reclamar una cierta condición de artificio. “Providence”, de Resnais, es una película para leer. Hay mil ejemplos. Hay una película de un director filipino, Raya Martin, que está toda hecha sobre telones pintados. Se llama “Independencia”. Eso me gusta, que haya una cierta independencia del texto, que no resulte necesariamente “orgánico”. Por eso cuando hice “Animalada” quise que la película empezara con los dos protagonista leyendo. Uno lee un libro de ficción y el otro una revista de caza, y de tanto en tanto uno de ellos lee en voz alta un párrafo de la revista y el otro le contesta leyendo un párrafo del libro. Es un diálogo entre textos imposibles.

-Y en “No fumar…” seguís la misma línea.

-Sí. Al principio la película iba a llamarse “Gente sentada”, porque en el 90% de las escenas los personajes están sentados, casi no hay acciones físicas, no hay movimientos en el espacio, un poco a la manera de aquella historieta de Copi, “La mujer sentada”. Los personajes hablan, pero más que hablar lo que hacen es “decir” textos escritos.

–¿Y por qué elegiste como título “No fumar es un vicio como cualquier otro”?

–Esa frase me la dijo Fogwill un día. Una de esas frases que decía todo el tiempo.

–¿Por qué te parece que tu literatura es tan adaptada al cine?

–No sé. Supongo que se debe a que mi literatura es bastante visual, aunque eso no quiere decir que sea necesariamente cinematográfica.

–¿Tu decisión de escribir una novela o un guión para cine es anterior al hecho de comenzar a escribir, o vas viendo la forma que va tomando el relato?

–Nada que yo empiece a escribir puede terminar como un guión de cine si no empezó directamente como un guión. Con la literatura es distinto. Algo que creí que iba a ser un cuento puede terminar siendo una novela, o al revés.

–Solés decir que escribís sin tener la historia definida de antemano, sin saber bien dónde vas.

–¿Y cuál es la importancia de saber adónde se va? Esto no es política. Acá no se deciden cosas que pueden afectar la vida de la gente. Lo único que quiere un escritor es escribir una obra maestra. A lo mejor dos (risas). Se necesita mucho estímulo para eso. Y saber adónde se va es muy poco estimulante.

–Igualmente las historias quedan bien articuladas y confluyen hacia algún desenlace, para el que el resto colaboró. ¿Cómo lográs eso?

–No estoy muy seguro de que mis historias estén bien articuladas. Hay muchísimos desvíos y digresiones y miradas atrás o a los costados. Pero eso es lo que me gusta. Una historia bien articulada no quiere decir nada en sí misma. Con un poco de dedicación y disciplina cualquier profesional puede articular una buena historia.

–Para algunos la incertidumbre ligada al argumento no es un hecho motivador.

–Bueno, vos lo decís: para algunos. Pero ahora acá estoy yo. Igual no sé qué es la incertidumbre ligada al argumento. Yo casi nunca tengo un argumento. Tengo una frase o una escena, y no mucho más que eso. Después viene otra frase, y otra, y en algún momento aparece una trama.

-Sin embargo tus novelas siempre tienen comienzos fuertes.

-Justamente, porque un comienzo es lo único que tengo y le dedico lo mejor de mí. Después ya me vuelvo un poquito más irresponsable y me dejo llevar.

–Tenés mucha obra escrita en un registro disparatado: “Planet”, algunos cuentos de “Chicos”. ¿Se te hace una necesidad romper el registro realista a veces?

–No sé. Es lo que se me da.

–Igualmente podés trabajar en otro plano, como en “Rabia” o “Era el cielo”, o algunos cuentos, donde no todo es disparatado.

–“Rabia” y “Era el cielo” son novelas realistas, creo. La verdad es ya no sé qué es el realismo. Podría decir que “Rabia” es una novela realista de fantasmas, pero decirlo así sería una contradicción. A unos les parece muy poco realista que un hombre pueda meterse en una mansión y vivir ahí adentro durante años sin que nadie sospeche de su presencia, y a otros la idea les da miedo. El paranoico siempre es el más realista.

–Un hombre encerrado en una casa, en “Rabia”, dos astronautas encerrados en una nave espacial, en “Gravedad”, y sigue la lista. El encierro parece tu tema principal.

-Sí, puede ser. Pero en mi última novela, “El escritor comido”, no hay nada de eso. Los personajes cambian todo el tiempo de lugar, una ciudad en Brasil, la selva del Amazonas, Venecia. En el verano vuelvo al encierro: voy a filmar una película con dos personajes atrapados en un coche bomba.

–No te veo haciendo una road movie.

–No, a menos que sea en un loft.

http://tiempo.infonews.com/notas/historias-para-mirar-y-para-leer

Nota sobre jazz en Tiempo Argentino

2011-11-10T07:16:00.000-03:00

DÓNDE ESCUCHAR JAZZ EN BUENOS AIRES

Una guía de lugares de encuentro para los amantes del buen ritmo

Publicado el 10 de Noviembre de 2011

Por Manuel Carballo
Tanto por el incremento del turismo como por la persistencia y el esfuerzo de los jazzeros que han logrado un circuito de seguidores, el género pasa por un excelente momento. Imposible escuchar sin marcar el compás.

Los programadores de los principales espacios de la escena del jazz local coinciden en que el momento que vive el género musical es muy positivo. Existen muchos lugares para que los músicos se presenten, pero sobre todo está la materia prima, varias generaciones de jazzeros que han configurado por sí mismos, con esfuerzo y gran pasión, un circuito del cual hoy se nutren.
La mayoría de los clubes, como suelen llamarse a estos sitios en el léxico del jazz, se concentran en el barrio de Palermo, aunque uno de los más antiguos está en Barrio Norte: Notorious. Habiendo nacido como disquería, ya hace casi 15 años, incorporó luego la dinámica de presentar en vivo a músicos de jazz y ofrecer servicio de gastronomía.
Hace dos años, el club de Callao al 900, tiene nuevo director y ha incorporado a su grilla tradicional, artistas de música popular brasileña. Es manejado por Víctor Ponieman quien comenta que “Notorious es el único lugar en Buenos Aires que conjuga, en un mismo espacio, música, gastronomía, venta de CD, DVD y artículos electrónicos, todo de la mejor calidad.” En un ambiente de sofisticación, Notorious, incluye en su agenda a músicos consagrados pero también a algunos que vienen creciendo y renovando la escena. El público que asiste, según su director, “es muy variado: extranjeros, vecinos de Barrio Norte, músicos, estudiantes de música y bohemios amantes del jazz”.
Otro club, que ya ha pasado la década y se ha constituido como eje del jazz local, es Thelonious, cuyo nombre hace honor al legendario pianista norteamericano Thelonious Monk. Entrando por Salguero, casi esquina Güemes, luego de subir una escalera, el visitante encuentra un lugar de eterna luz tenue, con mesitas en hilera y una extensa y bien aprovisionada barra en la que acodarse –tal vez con un trago– para escuchar a los músicos y perderse en la hipnótica lámpara que cuelga sobre el escenario. Abrió sus puertas en 2000, y sus dueños, los hermanos y músicos Ezequiel y Lucas Cutaia, hijos de Carlos Cutaia (Pescado Rabioso, La Máquina de hacer pájaros), le han dado una impronta de club neoyorquino, en donde el ambiente no es ceremonioso, sino que permite que la atención fluctúe entre los comentarios, la escucha atenta y el arranque de los aplausos.
Sin duda estos clubes han sido beneficiados por el boom del turismo que a partir de 2001 comenzó a aprovechar las ventajas en el cambio monetario. Esto explica que aparezca el término “extranjeros” tanto en los comentarios de Ponieman como en los de Ezequiel Cutaia que aclara que en Thelonious los precios son iguales para locales y foráneos.
A la vez, el turismo no es suficiente para entender la expansión de la escena. Tal vez el concepto de club no sea meramente declamativo, sino que se encarne en socios que le dan vida e institucionalizan los espacios. Los mismos músicos, sus amigos, conocidos y pequeños circuitos de seguidores son los primeros en integrar este círculo íntimo que luego se expande a estudiantes del género, jazzeros clásicos y ocasionales.
Aunque por esta misma razón la escena tiene, según Cheche Ordoñez, programador de Vinilo Bar, más músicos que público. Cheche dirige el espacio de Gorriti al 3700, que funciona hace dos años y ha sido pensado íntegramente para conciertos, “desde que la cocina esté en otro lugar, el camarín tenga una entrada directa al escenario, a que la sala esté lo más acustizada posible y que el escenario tenga un piano afinado”. En Vinilo se escucha jazz, pero no más de una vez por semana. El programador explica: “Hay una cantidad y calidad excelente de músicos de jazz. Por esto sucede que se toca mucho todo el tiempo y lo que termina pasando es que luego asiste poca gente”. Para él existe “una falta de estrategia sobre la carrera en los músicos de jazz, que en vez de tocar una vez por mes y llenar, tocan todas las semanas en todos los lugares”.
Una opinión similar aporta Litay Luna, la programadora del más nuevo de los clubes, próximo a cumplir un año, el coqueto Boris Club de jazz, situado en Gorriti al 5500. Dice Litay: “Tratamos de que los músicos no nos incluyan en los circuitos cuando tocan en varios lugares, sino que les pedimos que estén un tiempo largo sin tocar antes de venir a Boris o que nos tomen como primer punto de referencia para la presentación de su disco.” Explica que esto tiene que ver con que Boris es uno de los que ofrece mayor capacidad entre los clubes de jazz, 170 personas. El inconveniente que tienen los músicos del género es poder mantenerse haciendo lo que les gusta, por eso Litay comenta: “Si tu decisión de vida es vivir de la música, es evidente que tenés que trabajar y con una sola fecha al mes es imposible.” Esto se conecta también con las particularidades generales del público de jazz que, según Luna, “tampoco tiene ingresos demasiados altos como para seguir al músico toda la semana a varios sitios”.
En Boris han llegado a conformar una big band propia, aunque el espacio que le dedican al jazz es de un 80% aproximadamente. En cambio en Virasoro Bar, otro de los viejos clubes con diez años a cuestas, el jazz ocupa casi la totalidad de la agenda. Funciona en Guatemala al 4300, en una casa art decó diseñada por Alejandro Virasoro, arquitecto de vanguardia de los años ’20, del cual obviamente se sirvieron para bautizar su club. Paula, su dueña, explica que lo interesante de Virasoro es que “es un lugar pequeño y el contacto con los músicos es bastante cercano”. Para ella, actualmente se está escuchando en la ciudad un jazz de gran nivel, “parejo en cantidad y calidad, porque hay muchos buenos músicos en todos los instrumentos y todos con muy buenas propuestas, con investigación y estudio”.
Lo interesante es que por la búsqueda de público o por el gusto personal de sus programadores, la mayoría de estos lugares han redoblado sus apuestas e incorporado otros géneros musicales a sus agendas. Casi todos con la impronta de la fusión rítmica, característica que no le es nada extraña al jazz que es un género que se sustenta desde siempre en este recurso. <

http://tiempo.elargentino.com/notas/una-guia-de-lugares-de-encuentro-para-los-amantes-del-buen-ritmo

Entrevista a Jorge Drexler

2011-10-22T09:50:00.000-03:00

La canción lo llevó hasta España y él se fue quedando. Será por el sol de Madrid que le hace tan bien y combate su melancolía, o porque el amor que nació con Leonor Watling (36) fue tan fuerte como su prestigio (Drexler no gusta de la palabra “éxito”, ya verán) musical. Sea cual fuere el motivo, allá está, abrazado a un termo, hablando a través del teléfono, con su voz meticulosa y suave, reflexionando ante cada pregunta y tallando las respuestas con precisión.

"Me gustaría decir algo acerca de nuestra obsesión por el logo", interrumpe la consulta sobre las preferencias (recuadro). "Entiendo que el logo sea un bien necesario para comercializar las cosas, pero no me parece hacer tanto hincapié en la categorización respecto a su marca comercial”. Aunque ya ha dejado claro el punto, insiste, y pide: “Me gustaría que esto quedara textual” y continua: “Si hay algo que la sociedad no necesita estimular más, porque ya está lo suficientemente estimulado, es la diferenciación por logo de los objetos”.

Logo o No Logo mediante, la canción lo llevó hasta allá, pero su último disco, “Amar la trama” (2010), lo trajo de gira para presentarlo por segunda vez en nuestro país. En un registro más íntimo, con menos samplers y más guitarra flamenca, pero con la misma intención de dejar claro siempre, su forma singular de observar el mundo.

Noticias: En referencia al título de su disco, ¿por qué le parece que es más importante el camino que adónde se llega?

Jorge Drexler: Podés especular mucho sobre el punto de llegada, pero lo que tenés en realidad entre manos, lo tangible, es el proyecto. De eso habla el disco. Desde el "carpe diem" (aprovecha el día) de Horacio, hasta Machado con "se hace camino al andar", ha sido una constante en el pensamiento de nuestra especie.

Noticias: En una de sus letras lo menciona a (Éric) Rohmer, en cuyas películas parece que nada pasa o que nada debe esperarse que pase. ¿Esta es su actitud frente a la vida?

Drexler: El mundo de las expectativas tiene centrado todo en el futuro. Eso es un problema porque si estás muy pendiente de algo que vas a alcanzar algún día, primero te perdés el momento en que estás, y aunque eso ya es bastante grave hay algo peor, que tenés únicamente dos posibilidades: que se cumplan o que no lo hagan. Si no se cumplen sobreviene la frustración, es triste estar esperando toda la vida algo a lo que no se llega. Pero si se te cumple, la sensación de vacío es muy grande. Como consecuencia, yo prefiero eludir las expectativas.

Noticias: Igualmente a usted no es que no le pasan cosas, graba discos, viaja por el mundo, acaba de ser padre por tercera vez (su segundo hijo con Watling, una nena de nombre Lea).

Drexler: Sí, me pasan muchas más de las que imaginaba. En el mismo disco dice: "Aunque no haya una razón, celebremos, porque la vida puede que no se ponga mucho mejor que esto" (hace una cita simplificada de la letra de la canción "Todos a sus puestos"). Y eso es exactamente contrario al mundo de las expectativas. Eso de que el momento donde estás es lo mejor a lo que podés aspirar, es algo que a algunas personas les produce horror y a mí me parece maravilloso.

Noticias: En sus letras aparece esto, al igual que lo azaroso. ¿Usted se siente una especie de pasajero sujeto a lo fortuito, alguien a la deriva?

Drexler: Es un tema muy recurrente para mí la sensación de deriva. Probablemente me venga de algo generacional, soy hijo, nieto y bisnieto de inmigrantes. Y soy un inmigrante yo mismo. Supongo que eso me lleva a entender que el arraigo es más abstracto que concreto, es un arraigo a la vida.

Noticias: Lo vuelvo a citar, en otra de sus canciones usted dice que no se siente de ningún lugar, sino que está de paso.

Drexler: Claro, justamente. Esa canción habla de la noción vital. Entrar en contacto con lo efímero de este paso por el Planeta. Somos una especie que hace tanto hincapié en la posteridad, que nos desconectamos de lo efímero. Gastamos el patrimonio energético de millones de años en unos pocos lustros y dejamos el planeta lleno de polución y de plástico.

Noticias: Ya hace varios años que vive en Madrid, ¿qué cambió en usted al vivir todos estos años en Europa?

Piensa un rato y da un profundo sorbido de mate que aturde al otro lado del Atlántico.

Drexler: Eso que suena ahí es un mate, así que por lo pronto el mate no lo perdí (risas). Madrid es una ciudad muy solar, tiene muchas horas de sol al año. A diferencia de las ciudades rioplatenses que tienen un clima muy cambiante, Madrid siempre tiene un clima muy estable. Llueve un par de días seguidos y luego para. A mí me hace mucho bien Madrid, es una ciudad luminosa, ruidosa, irresponsable, que tiene una alegaría espontánea. Puede ser superficial en algunas cosas, pero si nosotros traemos nuestra dosis de profundidad y melancolía, para mí es un lugar ideal para un rioplatense.

Noticias: ¿Y esa melancolía no se transforma en nostalgia y lo lleva a extrañar Uruguay?

Drexler: Los primeros años que viví en Madrid tenía una sensación de nostalgia muy grande, pero fui estableciendo tantos puentes aquí, y a la vez conseguí la manera de mantener vivos los vínculos con Montevideo, que la nostalgia no es el principal factor que define mi vida ahora y eso se ve en mi último disco.

Noticias: ¿Y dónde está puesta la melancolía entonces?

Drexler: La melancolía es algo más constitutiva en mí, me vino de fábrica. La nostalgia viene a partir del cambio. Hay que aprender a vivir con la dosis de melancolía que tenemos, puede ser algo muy agradable. No es lo mismo que la tristeza.

Al igual que en su disco de estudio anterior, “12 segundos de oscuridad”, en el último disco de Drexler, participa su actual mujer, la actriz y cantante española Leonor Watling (“Los crímenes de Oxford”, entre otras películas). También lo hace Pablo, el hijo de su anterior pareja con la compositora española Ana Laan (44). Y por si fuera poco, le dedica una canción, “Noctiluca”, al primer hijo que tuvo con Watling, Luca (2).

Noticias: En “Amar la trama” participa toda su familia. La música atraviesa todos sus afectos.

Drexler: La música, como decís vos, es el hilo que une muchas de las cuentas de mis emociones. Es una manera de ganarme la vida, lo cual me llena de orgullo, pero va mucho más allá. Es una herramienta de aprendizaje personal. Más que la música, las canciones. Que es un género diferente, no es exactamente música, no es exactamente poesía.

Noticias: ¿Y cómo era el Drexler que, estudiando medicina, tal vez presentía, que su vida no iba terminar en la música?

Drexler: Tenía un conflicto vocacional. Era feliz en la medicina, tenía muchas cosas que no tengo ahora. Creo que en el fondo, la música siempre estuvo agazapada, sabiendo que iba a llegar el momento del gran zarpazo.

Noticias: Ganó un premio importante e inusual para un músico, el Oscar. ¿Qué implicó eso para usted?

Drexler: Fue una alegría muy grande, estoy muy orgulloso. Es una canción (“Al otro lado del río”, para la película “Diarios de motocicleta”) que quiero mucho y que hice de verdad. La hice con todo mi cariño y con toda mi entrega. Nunca pensé siquiera que iba a ser nominada. Mi experiencia es que si hacés las cosas realmente con ganas y sin esperar nada… porque yo no tenía ni idea ni siquiera cuándo entregaban las nominaciones. Ahora me ha vuelto a pasar con “Que el soneto nos tome por sorpresa” (canción para la película española “Lope”, nominada al Grammy Latino como mejor canción del año). Es un regalo que le hice a un amigo, un director de cine.

Noticias: Luego de ese premio sacó un disco bastante introspectivo (“12 segundos de oscuridad”. ¿No se lleva bien con el éxito?

Drexler: Me llevo bien con el éxito porque le doy su lugar. No me llevo bien con la palabra, porque viene de “exitus” quiere decir salida, como “exit” en inglés. En medicina se usa como sinónimo de muerte y eso es muy significativo para mí, el que una palabra tan idolatrada signifique final y salida. Si uno cree que está instalado en el éxito, pierde el reflejo de emocionarse con lo que hace.

Noticias: España está atravesando una crisis intensa por estos días, ¿cuál es su visión sobre los conflictos?

Drexler: Es muy duro, sobre todo para quien no está acostumbrado a los conflictos. La gente está muy indignada con el tono político. Y la entiendo perfectamente, porque es muy indignante la absoluta carencia de visión de Estado que tiene el país y de visión de futuro que tiene la política española. Parece una riña entre dos partidos. Hay una gran crisis anímica, está triste el país. Europa está triste. Hay mucha más alegría y proyección a futuro en Latinoamérica.

Noticias: ¿Y cómo ve que eso se encarna en los Gobiernos de Mujica y de Kirchner?

Drexler: Te voy a hablar de mi país, porque estoy loco, pero no lo suficiente como para ponerme a hablar de política argentina (risas). Estoy muy orgulloso de Mujica, del trayecto de diálogo que está atravesando Uruguay. Se está viviendo una prosperidad económica y mucha estabilidad institucional, porque Mujica es muy conciliador.

Noticias: Ya está en la última etapa de la presentación de su disco. ¿A qué dedica su tiempo cuando no está dando conciertos, componiendo o grabando?

Drexler: Me gusta mucho estar con la gente que quiero. Me gusta mucho hacer surf. Cuando tengo un ratito me escapo a alguna de las playas que tengo cerca. Es una actividad que me da una alegría inmediata.

Noticias: No tiene un perfil de surfista.

Drexler: Sí, puede ser, tampoco tengo un perfil de uruguayo, judío, hispano parlante, folclorista. Soy tantas cosas sin tener un perfil definido. Me ha tocado vivir sin un perfil definido. Soy poco de muchas cosas y todo de nada.

http://www.revista-noticias.com.ar/comun/nota.php?art=3489&ed=1817

Entrevista a Rubén Rada

2011-10-18T13:48:00.000-03:00

Comenta que usa celular recién hace tres meses porque su mujer le exigió que tuviera uno. Es que a pesar de sus 68 años, Rubén Rada, tiene mucho de niño. Mientras posa para la foto parece un chico, jugando, divirtiéndose. Por la mesa del lugar donde quedamos para la nota, la gente pasa y lo besa como si lo reencontrara después de años, y él responde con la misma efusividad. "Trabajé mucho para ser un artista conocido y querido", reflexiona. Para saludarlo, hasta Néstor Fabbri, el ex defensor de Boca, Racing y la Selección Nacional, entre otros equipos, interrumpe la nota: –¿Cómo anda, todo bien? –le pregunta. –¡Qué tal amigazo! No estoy jugando muy bien últimamente, pero no importa –contesta Rada, y los dos ríen.

Noticias: En noviembre le entregarán el premio Grammy Latino a la Excelencia Musical, que es una forma elegante de nombrar la trayectoria. ¿Cómo toma este reconocimiento?

Rubén Rada: Gracias a Internet las cosas vuelan, la gente se entera de lo que pasa en el mundo y llegaron a encontrarme.

Noticias: ¿Por qué dice eso?

Rada: Porque por la venta de discos y por ser un músico uruguayo que siempre tocó en el Río de la Plata y alguna vez en otro país, no llegaba a la Academia. De los que se enteran son de los que venden muchos discos. Por eso digo gracias a Internet, que la gente puede elegir y bajar la música que quiere, he llegado a que me tengan en cuenta. Eso me da mucha alegría. Más que nada por los músicos de mi país, porque somos un país pequeño con poca población y eso va a ayudar a que los músicos uruguayos tengan un poco más de proyección al mundo.

Noticias: ¿Que lo premien por la trayectoria hace que empiece a sentir de otra manera su carrera?

Rada: Sí, yo digo que es como que te dan la jubilación.

Noticias: Hace poco acá también lo premiaron como revelación.

Rada: Sí, raro. Fue por “Richie Silver”, que era un personaje que había creado.

Noticias: ¿Qué hizo en su carrera que jamás se había imaginado iba a hacer?

Rada: (piensa) “Rada para niños”. Siempre pensé que iba hacer mi música, pero jamás un disco para chicos. Se me dio la posibilidad de hacer eso gracias a Horacio Buscaglia que me dijo: “Los niños te quieren mucho y necesitan que vos les cantes”. Él me enseñó cómo trabajar con los niños y hace diez años que lo estoy haciendo en el teatro con gran éxito.

Noticias: Da la impresión que usted se mueve en su carrera con algo de improvisación y frescura, que tal vez es la característica que se requiere para tocar percusión. ¿Esto es así?

Rada: Totalmente. Yo cuando compongo lo hago lúdicamente, con sonidos de mi voz, por eso no tengo grandes letras. Si hago (canta una melodía), después le busco una instrumentación a eso que canté. Cuando hice “Dedos”, (un lujo: se pone a tocar la mesa del bar como si fuese un instrumento de percusión, con una soltura que asombra, mientras canta la letra del tema), tenía que buscar las rimas con la palabra “dedos”, ahí aparecía “días” y así: “Dedos son dedos / días son días”.

Noticias: Acaba de presentar su nuevo disco, "Confidence". Puede ser que la vuelta al Rada “serio” como usted lo llama, sea una de las deudas pendientes.

Rada: Exacto, era algo que quería hacer. No cantar. Es todo instrumental. Grabado con grandes músicos uruguayos. Toco percusión que es lo que más me gusta en la vida. Sacar chirimbolos de una bolsa y hacer magia y tocar y divertirme.

Noticias: ¿Y qué otros proyectos tiene en esa bolsa?

Rada: Otra cosa que tengo ganas de hacer es grabar un disco de Tango. También otro de Blues. Y después, si la vida me lo permite, tener una banda con mis hijos. Si ellos me invitan, estaría encantado.

Noticias: ¿Y ha conversado esto con ellos?

Rada: No, lo estoy diciendo para que me inviten (risas).

Noticias: En "Confidence" participan los tres.

Rada: Sí, Matías (25) toca la guitarra. Lucila (30) y Julieta (20) que cantan maravillosamente bien, hacen coros.

Noticias: A Matías lo hemos visto tocar con Martín Buscaglia. Es más grandote que usted.

Rada: Sí, mide 2:02. Le encanta el funk, toca la guitarra y le pone mucho wah wah. Ahora va a tocar la guitarra con los Illya Kuryaki & the Valderramas (banda de Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur) que se vuelven a unir.

Noticias: ¿Ya había grabado alguna vez con sus hijos?

Rada: No, pero habíamos formado un grupo con Matías, Julieta y tres amigos más. Y Matías le preguntó a la abuela materna qué nombre le podíamos poner al grupo y le dijo: “Pónganle ‘La horizontal’, si se la pasan durmiendo”. Y así le pusimos y tocábamos funk, nos presentábamos en boliches en Uruguay y nos divertíamos muchísimo. Después Julieta hizo un par de shows con Nicolás Ibarburu y se enamoraron. Así que parece que se lleva a mi hija (hace que llora). Están en pareja ahora, en Uruguay.

Noticias: Y su otra hija, Lucila, que vive acá, lo está por hacer abuelo por primera vez.

Rada: Claro, ella vive acá con su marido Santiago. Está contentísima que va a ser madre, preparándose para eso. Así que de música no hablamos por este año, después seguirá con su carrera. Ella también estudió teatro, estuvo trabajando en el Teatro San Martín el año pasado. En Uruguay condujo “Cantando en la oficina” que era un programa de concursos, donde buscaban 4 o 5 personas que cantaran bien y los hacían competir con los de otra oficina.

Noticias: ¿Y cómo se ve siendo abuelo?

Rada: Camino cada vez más lento (risas). Estoy muy contento, pero no por mí, por ella, porque cuando una mujer tiene 30 años y todavía anda dando vueltas en la vida, y aparece el premio de tener un hijo, se arreglan muchas cosas en la cabeza. Así que creo que le va a hacer muy bien, y a la familia también, estamos todos muy felices.

Noticias: ¿Su nieto también va a nacer en Argentina?

Rada: Claro, mis tres hijos son argentinos. Yo viví acá desde el ’78 hasta el ’90. Y acá puse la fábrica. Porque acá en una época me fue bien económicamente y decidí tener hijos. Estuve en Europa con cantidad de mujeres maravillosas, pero decidí tener acá, porque yo era de la idea de que hasta que fuera alguien en la vida, no quería hijos. Noticias: ¿Cómo se está viviendo en Uruguay la presidencia de Mujica?

Rada: Estamos muy contentos. Durante muchos años vivimos pensando en lo que se robaban los políticos y ahora él no cobra ni el sueldo, tiene una chacrita y vende flores, la mujer es senadora, y con eso viven. Estuvo 13 años en cana, tiene una historia de lucha. Hace las cosas que le dicta el corazón. El tipo no vive con odio. No como pasa acá, que es como una guerra.

Noticias: ¿Acá usted ve una guerra?

Rada: Sí, están todos peleados contra todos. Este lío de TN contra “678” es insoportable. Todos hablando en contra de los demás. Macri peleándose con éste, aquél con el otro. No sabés para que lado agarrar, vo.

Noticias: ¿Y cuál es su percepción sobre el Gobierno argentino?

Rada: Yo vine a Argentina en el momento que hubo varios presidentes en poco tiempo. La gente pagaba con patacones. Grabé “Aparte de ti tu boca”, que según Fito (Páez) podría haber sido como “El amor después del amor” y ganado mucho dinero porque sonaba en todas las discotecas que fueras, pero no me llamaban de ningún lado porque me decían: “Negro, no te puedo contratar porque no puedo sacar plata del banco. Me agarró el corralito”. Los Kirchner arreglaron el país. El primer gobierno fue impresionante, Argentina se colocó en un lugar importante. Es muy difícil gobernar Argentina. En el segundo gobierno están los comentarios de que se enriquecieron mucho y a la gente no le gusta eso. Por lo demás, pienso que de los últimos 30 o 40 años son el mejor Gobierno.

Noticias: ¿Qué le parece la música que se hace ahora?

Rada: Queda medio facho a veces hablar sobre la música actual, cada uno siente la música en la época que está viviendo. En las dictaduras había que cantar en contra y luchar. Esta es otra época. Yo no le doy bola a la música que pasan en la radio sino a los músicos que hay y a lo que los mismos músicos te recomiendan. Si me manejo sobre eso, Argentina está cada día mejor. Lo que se escucha en la radio es otra cosa.

Noticias: Lo de la radio no le gusta.

Rada: Digamos que no es el rostro de Argentina. Pasó siempre eso, en la época del Club del Clan, estaba Lalo Schifrin. Yo también hice música comercial. No podía vivir en mi país, llamé a Cachorro López, grabé, vendí discos, tuve éxito y recién a los 55 años me pude comprar mi casa.

Noticias: ¿Nunca había buscado el éxito comercial antes?

Rada: Sí, cometí un error cuando grabé “La mandanga”. Venía de grabar unos discos tremendos. Y de repente grabé: (canta) “Se come la mandanga”, pensando que iba a vender un montón de discos y cuando vos te pasás de mersa no vendés nada. Creo que Moria Casán cantaba: (canta) “Se come la banana”, y Porcel y Olmedo me tomaban el pelo. Yo me cagaba de risa en mi casa.

Noticias: En una letra de una canción suya usted decía que la hinchada le gritaba: “Tocá tranquilo que acá no pasa nada”. ¿Qué piensa que le cantaría ahora?

Rada: La hinchada canta una canción mía ahora: (canta) “A los jugadores les pido…”. Yo siempre quise estar ahí. Cuando vos llegás a las canchas de fútbol estás salvado porque sos del pueblo. Me he encontrado acá 60 o 70 personas que me han dicho que su madre o alguien les ha pedido que pusieran “Muriendo de plena” en el sanatorio y se han ido cantando esa canción mía que habla de haber vivido la vida a pleno.

http://www.revista-noticias.com.ar/comun/nota.php?art=3445&ed=1813

Entrevista a Pipi Piazzolla

2011-10-18T13:35:00.001-03:00

Igual que su abuelo y su padre, es músico, aunque no se dedica al tango ni al bandoneón, sino al jazz y a la batería. Tiene un grupo que se llama "Esclandrum", mezcla de Escalandrún, una especie autóctona de tiburón que su padre y abuelo acostumbraban a pescar juntos, y la palabra "drum", que significa "tambor" (su especialidad) en inglés. Para llegar a la terraza y hacer unas fotos, pasamos por las habitaciones de Mora (5) y Lorenzo (2), hijos de la pareja que tiene con Soledad (36), que además tiene a Violeta (15), de otro matrimonio, que también vive con ellos. Antes de posar, señala un marco, del que asoma un pedazo de cabeza que muestra una fila incontable de dientes filosos. "Ese lo pesqué yo", dice Pipi, y nos damos cuenta que es un Escalandrún, otra marca de la continuación de su herencia.

Noticias: Usted eligió la batería como instrumento, que no es típico del Tango.

Piazzolla: Es que yo no soy tanguero. Se dio de forma natural. Tocaba el piano cuando era chico. A los 13 o 14 años empecé a ir a ver a River Plate todos los domingos, y me empecé a copar con el tema de la hinchada, los bombos, los tambores. Eso lo emulábamos en la escuela, y ese fue mi primer contacto con el ritmo. Hasta que un día vi un solo de batería y me di cuenta que ahí estaban todos esos instrumentos de percusión juntos. Me enganché de lleno con una pasión desenfrenada. Tenía 15 años, tomaba clases particulares de dos a tres veces por semana con el "Oso" Picardi, sin batería.

Noticias: ¿No tenía batería propia?

Piazzolla: No, e iba y daba la lección bien. No tener instrumento no fue una traba para mí. Eso se lo trato de explicar a mis alumnos.

Noticias: Su abuelo conoció el instrumento que usted eligió, ¿verdad?

Piazzolla: Totalmente, y me regaló mi primera batería. Supo que yo hacía un año y medio que estaba intentando comprar una y no me daban los números, entonces él me la regaló.

Noticias: ¿Cómo era la relación que tenía con su abuelo? ¿Compartió muchos momentos con él?

Piazzolla: La verdad que sí, porque a pesar de que él estaba 250 días al año de gira, cuando él estaba acá yo lo veía. Y me tocó vivir con él momentos muy íntimos, como por ejemplo ir en el '83 con él, solos en la limousine, al Teatro Colón. Todos los conciertos que él tocaba me llevaba. Yo no entiendo por qué, pero me llevaba. Lo veía poco, pero era intenso, compartí camarines, pruebas de sonido, shows. Yo era muy chico, esto fue desde los 7 años hasta los 15 o 17. También nos juntábamos en un bar los dos solos, venía mi papá a veces también.

Noticias: ¿Y de qué hablaban?

Piazzolla: Él me pedía que le cantara las canciones de River. Todas. Me pedía por favor que lo llevara a la cancha, y yo le decía que no, porque tenía by-pass hecho y él era muy peleador. Le decía que le iba a hacer mal.

Noticias: ¿A usted le parece que la imagen que se recuerda de su abuelo se corresponde con la persona que usted conoció?

Piazzolla: Tengo contacto con muchos tipos brillantes por la música que hago, pero yo que lo tuve cerca a mi abuelo, sé que fue un genio. Entregó su vida a la música. Siempre lo primero era la música. Era capaz de vender su casa para hacer un teatro. A mí me parece muy valorable eso. Son gente especial, si no estuviera esa gente la cultura no seguiría avanzando. Porque vos podés decir que lo veía tres veces por año, que él podría haber estado un poquito más, pero yo lo que veo es que él era así, y ahora lo tenemos en todos lados (señala los discos y fotos que adornan su living). Noticias: ¿Su papá (Daniel Piazzolla, 66) opina lo mismo?

Piazzolla: Mi viejo por momentos, por supuesto, como cualquier hijo, le habrá dado bronca, pero ahora opina lo mismo que yo. Cuando nos ponemos a charlar, tomamos un vinito, y decimos: "Mirá lo que hizo este tipo, es una bestia". Mi papá escucha 100% del día a Astor Piazzolla. Fanático de la música de su padre, es su ídolo.

Noticias: ¿Y su papá y su abuelo querían que usted fuera músico?

Piazzolla: Fui el primer día a la facultad, a estudiar marketing. Cuando vuelvo le digo a mi viejo que eso no era para mí, él contento revoleó todos los apuntes de la facultad por el aire. Justo estaba mi abuelo, se acercó y me dijo: "Grande, pibe, se músico, se pobre, pero se feliz".

Noticias: Acaba de terminar el Festival y Mundial de Tango de Buenos Aires. Allí tocaron repertorio de su nuevo material "Piazzolla plays Piazzolla", ¿cómo fue la recepción?

Daniel "Pipi" Piazzolla: Muy buena. Estuvo muy bien el Festival. Creo que el proyecto de este disco es muy aceptado. Es otra visión de la música de Piazzolla, no hay bandoneón y no hay violín así que no entrás en comparaciones.

Noticias: Con Escalandrum ya tenían 5 discos anteriores, ¿por qué inclinarse hacia el repertorio de su abuelo ahora?

Piazzolla: Se dio de manera natural. Nosotros en los discos previos tenemos muchas influencias folclóricas a nivel estilístico, aunque todos los de Escalandrum nacimos en Capital. Entonces, yo quería que el grupo tuviera un sonido más urbano, más de Buenos Aires, y como tengo acceso a las partituras de mi abuelo, empezamos a tocarlas, para ver cómo sonábamos. No teníamos la intención de hacer Piazzolla, pero nos gustó mucho como salía, nos emocionábamos, así que decidimos hacerle un homenaje.

Noticias: Del lado del jazz no es tan común.

Piazzolla: Claro. Siendo que para él, el Jazz, la Música Clásica y el Tango fueron igual de importantes para hacer la música que revolucionó el Tango. Mi abuelo vivió en Nueva York varias veces, hacía zapateo americano, le encantaba el Jazz, de hecho en sus discos han participado grandes del Jazz.

Noticias: ¿Le interesa la política?

Piazzolla: No, no me interesa nada.

Noticias: ¿Y este momento actual particularmente, cómo lo ve?

Piazzolla: Me gusta lo que está haciendo el Gobierno Nacional y también hay cosas que me gustan del Gobierno de la Ciudad. No es que me lave las manos, pero es la verdad.

Noticias: Hace unos años se encontró una partitura de su abuelo en la Biblioteca Nacional, era una especie de himno que había escrito para Perón en algún momento. ¿Qué sabe de eso?

Piazzolla: No tengo idea. Para mí él no tuvo mucha relación con la política, estaba afuera, siempre tocando. Una vez tuvo un problema porque lo invitó a comer Videla y tuvo que ir. Hasta que él explicó la situación, eso se le recriminó. La realidad es que fue a comer con Videla porque si no le mataban a la hija (Diana Piazzolla, 68). Mi tía estaba a full con la política y se tuvo que exiliar. Le dieron a entender que la podían matar y él tuvo por miedo por ella.

http://www.revista-noticias.com.ar/comun/nota.php?art=3480&ed=1816

Entrevista a Vicentico

2011-09-06T00:56:00.005-03:00

Por Manuel Carballo

No sé cómo llamarlo. ¿Vicentico? No, si se llama Gabriel. Él nos ve sentados. Intuye que somos los de la nota. Las mujeres de la recepción se entretienen con una gatita perdida y medio mojada que se ha colado en el edificio de la disquera, y por eso no nos prestan atención. Gabriel Fernández Capello (47), que acaba de entrar, se acerca y nos saluda. Consigue que alguien se dé cuenta que estamos allí y nos permita pasar. Entramos al ascensor que se activa solamente con la huella dactilar de un empleado. Mientras subimos, Gabi, como le dicen allí, cierra los ojos. Parece que se duerme. Tal vez descansa, pero enseguida percibo que en realidad se prepara. Esto de las entrevistas no es lo suyo y lo hace sentir en cada gesto.

Ya en la terraza, el fotógrafo intenta caerle bien. Le va mostrando las fotos que le saca y consigue que pose. Detrás, la bruma no deja espacio vacío. Unos cascos amarillos se mueven debajo. Son unos obreros que rellenan de hormigón otro edificio en Palermo. Nada se detiene en medio de la lluvia que flota. Nosotros tampoco. A Gabi, en ese escenario apocalíptico y productivo, le toca hacer el trabajo sucio de ser Vicentico.

Noticias: Claramente, no se lleva bien con la exposición mediática.
Vicentico: Trato de no exponerme si no tengo nada que decir o no hay un pedido de la discográfica para movilizar algún proyecto como el show del Luna Park. Si no, no me interesa en lo más mínimo. Cuando me tocan estas situaciones un poco las sufro, porque mi mundo pasa por cuidar el jardín de mi casa, mi mujer, mis hijos. Mi lucha diaria es cómo hacer feliz al mundo que tengo alrededor. Y todo se torna en un mundo que me hace doler. Claro, parezco una señorita diciendo “me duele el mundo”, pero no soporto la falta de inteligencia, la brutalidad, y a veces la gente es bruta.
Noticias: En su último disco, “Solo un momento”, se inclina más hacia el pop. ¿Se siente cómodo en este formato?
Vicentico: Sí. Con la música no me sentiría incómodo de ninguna manera. Hay cosas que tal vez sean más naturales que otras, pero siempre se puede hacer algo interesante. No me es ajeno para nada situarme en el rol de cantante de una pequeña canción, y desde allí buscar una interpretación.
Noticias: Su hijo Florián (16) grabó una guitarra en el disco, ¿cómo fue esa experiencia?
Vicentico: Buenísima, me produce una gran alegría y una emoción silenciosa. Igual él ya es músico, lo más normal es que venga y toque. Yo se lo pedí y él también lo esperaba. Estoy 6 meses grabando un disco, él viene al estudio, y es muy normal que tenga una guitarra encima.
Noticias: ¿Se considera una persona familiera?
Vicentico: Normal, familiero es una palabra...
Noticias: Bueno, ¿alguien que disfruta estando en familia?
Vicentico: Sí, disfruto mucho en familia, la paso muy bien, es el mejor lugar para estar.
Noticias: ¿Y a qué juega con sus hijos?
Vicentico: Con Florián puedo jugar al fútbol, algún partido de jóvenes contra viejos o de padres contra hijos. También podemos tocar música. De vez en cuando jugamos a la lucha. Y con el más chico, Vicente (4), juego a todo.
Noticias: Su mujer, Valeria Bertucelli, parece bastante temperamental, ¿también luchan?
Vicentico: Con mi mujer también juego mucho (risas). Me llevo muy bien, nos divertimos mucho. Como toda pareja que está junta hace mucho tiempo, hemos pasado nuestros momentos de incertidumbre, pero tenemos una relación honda, de mucha comprensión mutua.
Noticias: ¿La llegada de los chicos cambió la dinámica de la pareja?
Vicentico: Es que tuvimos a Florián a menos de un año de estar juntos, y lo buscamos. Con lo cual siempre nos llevamos bien.
Noticias: Los dos son artistas, ¿se consultan acerca de temas creativos?
Vicentico: Como cualquier pareja. Más que consultar, podemos comentar. A veces las consultas sirven, a veces lo que te dicen no cierra y a veces cierra perfecto. Vale me dio ideas muy buenas que usé, y otras que no.
Noticias: Hizo el tema de “Viudas”, la película que ella acaba de estrenar.
Vicentico: Sí, muchas veces hemos trabajado juntos, nos gusta y nos potencia. Tampoco lo hacemos muy seguido, por ahí si lo hacés todo el tiempo es distinto.
Noticias: En las fotos que incluye el disco usted aparece usando una peluca. Y en una nota dijo que era una referencia a la Presidenta. ¿Es así?
Vicentico: No, me parece que...
Noticias: ¿Fue una tergiversación?
Vicentico: Sí, una tergiversación bastante...
Noticias: Fue una nota que dio en México.
Vicentico: Ah, bueno, yo pude haber hecho ese chiste... Digamos que hay varios personajes en el sobre interno del disco. Uno es una mujer que bien podría ser Cristina, pero no es.
Noticias: ¿Y por qué podría ser? ¿Con qué tiene que ver?
Vicentico: Con el ímpetu y con la vida vivida.
Noticias: ¿Una mujer fuerte?
Vicentico: Fuertes son todas las mujeres. Todas las personas son fuertes. Tiene más que ver con lo vivido... igual, es una cosa que no tiene mucho sentido, porque no es cierto.
Noticias: ¿Qué cosas lo enganchan de este Gobierno?
Vicentico: Es un momento difícil para expresar mi opinión, porque desconfío mucho. No de los periodistas en general, sino de la situación; realmente me chupa un huevo todo y no estoy en situación de exponerme a decir nada, no porque no me importe o no tenga una posición tomada, sino porque me imagino todo lo que puede pasar. Si digo que no quiero opinar sobre política, lo que se lee es “el tipo no se juega” o “no está comprometido” o “tiene miedo”, y no es ni una cosa ni la otra. No me gusta participar de juegos que me son ajenos. Por supuesto que puedo opinar, lo que me gusta de Cristina es su cara. Es como yo la veo a ella. Y voy a decir una cosa muy incorrecta, yo puedo votar por las caras. Algunos dicen “yo voto un proyecto”, y yo si voy a votar, lo hago por lo que creo de la persona. Mi percepción íntima es que ella está bien, eso es todo lo que puedo decir. Todo lo demás puede ser utilizado en mi contra (ríe).
Noticias: Habla de un momento difícil, ¿le achaca la culpa al periodismo, como hacen muchos?
Vicentico: Es culpa de todos. No sé culpa de quién es. Los periodistas son personas que también vibran. Todos tenemos responsabilidad, todos deberíamos incluirnos. El Gobierno, los medios, todos, entramos en una equivocación total. En otros lugares uno puede decir “mi posición es esta” y no vienen a decirte “estúpido”, “infeliz”, “ladrón”.
Noticias: La gente lo sigue acompañando, ¿cuál es la clave de su permanencia?
Vicentico: Me dedico mucho a hacer canciones que sean bonitas y que puedan lograr que al otro le pase algo con eso en algún momento. Cuando digo que me dedico, es que me dedico con mucho cariño.
Noticias: ¿Qué le parece la posibilidad de que se despenalice la marihuana?
Vicentico: Me parece muy bien. La pregunta que me haría es por qué una planta está penada por la ley. Qué hay adentro de esa planta que crece que hace que todo el mundo se agarre tanto de los pelos. ¿Por qué hay gente que se pone nerviosa si se habla de que esa planta sea legal? Una planta no puede ser legal ni ilegal, es una cosa que crece de la tierra. Si se despenaliza la tenencia y el cultivo, creo que vamos a dar un paso muy interesante.
Noticias: ¿Tiene en mente volver a actuar?
Vicentico: Y, depende de las propuestas, por el momento no soy capaz de generar un proyecto. La fantasía siempre está, pero no sé si tengo el talento porque nunca lo hice, tal vez me doy cuenta de que sí o que soy un desastre, pero no tengo tiempo... Dependo mucho de que a alguien se le ocurra que puedo actuar en una película, y ahí depende de lo que me proponga. Me encantaría que me llamen.
Noticias: Muchas canciones del último disco, sin embargo, están pensadas como escenas.
Vicentico: Me gusta mucho, mucho, el cine, entiendo del tema. Con humildad lo digo. Vengo de familia de actores, mi viejo, mi vieja, mi esposa... pero hacer una película es una epopeya tremenda. Llevar adelante un proyecto grande, con mucha gente y durante mucho tiempo, me da un poco de fobia. Bueno, podría, no sé, ahora que lo decís, me estoy convenciendo.
Noticias: Varias veces se mostró con pollera, ¿sigue usándolas?
Vicentico: De vez en cuando

Ver: http://www.revista-noticias.com.ar/comun/nota.php?art=3415&ed=1810

Entrevista a Miguel Mateos

2011-08-13T11:48:00.006-03:00

Por Manuel Carballo

Conserva intactos los recursos del seductor. Baja la vista y un segundo después clava la mirada, con sus ojos verdes entre desafiantes y pícaros. Tal vez la camisa le quede grande, como argumenta durante la sesión de fotos, o algunos kilitos de más marquen que de aquellos comienzos en los '80 ya han pasado 30 años. Miguel Mateos acaba de editar un álbum con un formato que el sello llama “Primera Fila”, que consiste en grabar una presentación especial en vivo y lanzar luego un CD y DVD. En este caso, presentando sus grandes éxitos y algunos temas nuevos, como hará el próximo sábado 20 en el Luna Park.
Noticias: ¿Se siente volviendo al circuito con este disco?

Miguel Mateos: Siempre estuve muy seguro de donde estoy. Así que no estoy volviendo, ni saliendo de ningún lado. Sobre todo por la continuidad que tengo en la gente, que es lo más importante.
Noticias: ¿Hoy cambiaría algunas decisiones sobre su carrera, más puntualmente, la de irse al exterior?
Mateos: Nunca lo consideré una carrera, ese es el problema.
Noticias: Bueno, pero tomó una decisión.
Mateos: Ah, sí, pero jamás tomé esto como una carrera. El hecho artístico tiene que ver con una trascendencia que va más allá de una carrera. Si tenía ganas de decir cosas, lo que mejor me sale es grabar un disco y tocar. Opté por irme en el '89 porque acá no tenía trabajo. Tampoco podía aceptar que Menem ganara, porque ya pensaba que iba a haber un proceso de desnacionalización muy grande. De todas formas, también tenía que ver con una necesidad mía de crecimiento, pero si hubiese sido una cuestión de carrera me hubiese quedado acá. Siempre lo pensé desde el disfrute personal.
Noticias: ¿Y por qué no tenía trabajo en el '89, si era su mejor momento de ventas?
Mateos: Sí, pero como en todo, había sufrido un desgaste.
Noticias: ¿Ya no tenía desafíos?
Mateos: Claro. Lo mejor era quedarme, pero en contra de cualquier evaluación de marketing, me fui a un departamentucho en Hollywood. Pero ahí me conecté con un montón de gente, de músicos, aprendí muchísimo.
Noticias: Digamos que también estaba persiguiendo un sueño.
Noticias: Sí, debo ser uno de los primeros americanistas en ese sentido. Cuando empecé a salir al exterior tenía la idea de unir Latinoamérica, que hoy tiene un tránsito muy fluido de artistas.
Mateos: ¿Se siente un pionero?
Noticias: Sí, fue una idea globalizadora, que en aquel momento sentí. Siempre me propuse terminar en Los Ángeles, en el Palace, un lugar paradigmático del rock & roll, cantando en español.
Noticias: Fue un ícono de los '80, ¿cómo recuerda esa época?
Mateos: Tremenda. Tremendamente rica. A partir del '86 hubo para muy pocos artistas de esa generación giras internacionales de tres meses. Soy un privilegiado, y los otros eran Soda Stereo. Una época de demasiado vértigo.
Noticias: ¿La extraña?
Mateos: No. Yo canto mejor hoy, toco mejor el piano, me divierto mucho más en escena. Antes había vértigo, pero no tengo un recuerdo de disfrute. No sé si disfruté los 4 Luna Park del '85 tanto como el del año pasado.
Noticias: ¿Cree que a veces la crítica no lo acompañó?
Mateos: Siempre he sido muy seguro de lo mío. No tenía contrato, vendí un departamento para hacer un disco, “Pisanlov”. Cuando en el 2001 se incendiaba todo y me devolvieron el contrato, usé plata salvada del corralito de Cavallo. Me sacaron buena parte de mis ahorros de 15 años de laburo. Ver el país de esa manera, con lo que quiero yo a la Argentina... A veces es medio difícil, pero todos en este país vivimos a los cachetazos limpios.
Noticias: Suele pensarse que los artistas que tuvieron éxitos como los suyos están resguardados económicamente.
Mateos: Sí, y que andamos en limousine o no pagamos impuestos. Nunca tuve acercamiento a ningún partido político o al poder. Jamás me vi beneficiado. Igualmente, me parece que tomar partido es importante.
Noticias: ¿Qué opinión tiene del Gobierno?
Mateos: El proceso ha sido interesante. Tiene sus cosas buenas y malas. Defiendo las buenas, pero otras hay que arreglarlas. Igualmente, no se deberían ensuciar ciertos símbolos...
Noticias: ¿Lo dice por lo de las Madres de Plaza de Mayo?
Mateos: Sí, pero está bien que también salga a la luz, que haya voces como NOTICIAS, como Clarín, no crear un monopolio tipo Kremlin. Que haya libertad. En este álbum estreno una canción, “Rock libre”, que hago con mi hijo Juan. Surgió a raíz de una discusión porque quería abandonar el colegio, y yo le decía que no nacemos libres sino que nos hacemos libres. Es una construcción.
Noticias: ¿Qué músicos le interesan actualmente?
Mateos: Sigo a John Mayer.
Noticias: Teniendo en cuenta su relación entre la música, lo social y lo polìtico en los '80, ¿quién sería hoy un Miguel Mateos?
Mateos: Juan Mateos, mi hijo.
Noticias: ¿Qué opina de la forma en que los jóvenes se divierten hoy, respecto de la suya cuando era joven?
Mateos: Yo me formé en el Club Vecinal Pro Fomento Pueyrredón. Ahí estaba la peña folklórica, mi mamá era la presidenta, Hoy me hablan de redes sociales. Red social era eso, el “ponja” de la tintorería, el ruso de la cooperativa, el turco de la tienda, el tano de la pizzería, todos en el club. Esa red social solidificó la Argentina. No existe más, y es parte del deterioro.
Noticias: ¿Qué piensa cuando en las fiestas de casamiento pasan “Tirá para arriba”?
Mateos: (sonríe) No solo en las fiestas de casamiento, también en los Bar Mitzvah, en las reuniones musulmanas y orientales. Atravesó mentes, espíritus y religiones. Y representa algo en la Argentina: la recuperación de la democracia.

Ver en:

http://www.revista-noticias.com.ar/comun/nota.php?art=3388&ed=1807

Islam en Buenos Aires

2011-05-10T00:20:00.000-03:00

La religión islámica está aumentando sus fieles alrededor del mundo, incluyendo nuestro país. Foto: webislam.com

Los datos demográficos de los últimos años acerca de las religiones muestran al Islam como la fe con más crecimiento alrededor del mundo, con una tasasorprendente especialmente en Europa. En Latinoamérica esta tendencia parecería mantenerse pero con un índice bastante menor. En nuestro país la religión islámica tiene una baja visibilidad y en general se desconocen sus particularidades e incluso los lugares donde se practica su fe.

Existen en la ciudad de Buenos Aires tres centros islámicos: en Parque Patricios la Mezquita Al-Ahmad que pertenece a la OIA (Organización IslámicaArgentina), en Floresta la Mezquita At-Tauhid de la CIRA (Centro Islámico de la República Argentina), y en Palermo la Mezquita Rey Fahd que pertenece al Centro Cultural Islámico "Custodio de las Dos Sagradas Mezquitas Rey Fahd".

Aunque ninguno de ellos reveló a Notio los números

Existen en la ciudad de Buenos Aires tres centros islámicos: en Parque Patricios la Mezquita Al-Ahmad que pertenece a la OIA (Organización IslámicaArgentina), en Floresta la Mezquita At-Tauhid de la CIRA (Centro Islámico de la República Argentina), y en Palermo la Mezquita Rey Fahd que pertenece al Centro Cultural Islámico "Custodio de las Dos Sagradas Mezquitas Rey Fahd".

Aunque ninguno de ellos reveló a Notio los números de sus nuevas conversiones o datos concretos acerca de su crecimiento, el Profesor Ricardo Elía, Director delDepartamento de Estudios Históricos del Centro Islámico de la República Argentina sostiene que: "hay un aumento demográfico pero no en la misma medida que en Europa". Este crecimiento de la religión musulmana, explica Elías, "nosólo es en la región de Buenos Aires sino también en el interior del país".

Tal vez la negativa acerca de dar cifras precisas se deba a la razón que da Galeb Moussa del equipo de prensa de la Mezquita At-Tauhid: "Para no alentar la mala propaganda y la difamación". Seguramente el bajo perfil también esté relacionado con los horrores del terrorismo asociados a algunos fieles musulmanes que desvirtúan los preceptos religiosos. Aunque Moussa no da datos, igualmente comenta que "el Islam crece a pesar de todas las campañas que se orquestan para desprestigiarlo".

La nota completa en:

http://notio.com.ar/sociedad/islam-en-buenos-aires-11615

Sociedad: falta de control en los ascensores de BA

2011-05-04T09:50:00.000-03:00

Todos los días debemos usar ascensores, si no es en nuestros edificios, es en el trabajo, haciendo trámites o visitando a alguien. Constantemente estamos confiando nuestra seguridad en ese viaje vertical a toda una cadena de verificaciones que no se muestra efectiva ni demasiado consistente.

El Ingeniero César Soregaroli, Presidente de AIEA (Asociación de Ingenieros Especialistas en Ascensores) y Asesor honorario de CECAF (Cámara Empresaria de Conservadores de Ascensores), se muestra cauteloso al dar su opinión sobre la calidad de los ascensores porteños. Para él, la diferencia estaría en la cantidad de años que tiene el edificio, ya que lo más habitual, explica, es que el ascensor se haya montado cuando fue construido el edificio y nunca se haya reemplazado.

Según Soregaroli, "en los edificios nuevos hay ascensores fabricados con tecnología moderna, y esos equipos están bien mantenidos y por lo general bien instalados". Aunque en los viejos la situación es más preocupante, ya que "hay ascensores muy antiguos, y muchos de sus materiales están ya caducos o vencidos, y no siempre se hace una puesta a punto de todos los elementos como para actualizarlos".

El esquema de la seguridad de los ascensores indica que el mantenimiento es responsabilidad de la Administración deledificio y del profesional controlador que estos contraten. Los registros de las tareas de mantenimiento se asientan en el "libro" del edificio, el cual entre otras cosas deberán controlar a su vez los PVA (Peritos Verificadores de Ascensores) que son los representantes del Gobierno de la Ciudad para fiscalizar por parte del municipio porteño que los controles se están llevando a cabo y que el ascensor funciona correctamente.

Ver completa en:

http://notio.com.ar/sociedad/ascensores-no-se-controlan-lo-suficiente-11614

Nota en Cultura de Tiempo Argentino

2011-03-31T15:48:00.000-03:00

La Ciudad de Buenos Aires será la Capital Mundial del Libro en 2011 (BACML 2011), un título un poco fastuoso que entrega la Unesco todos los años para promover la difusión del libro y fomentar la lectura. Desde el 23 de abril del 2011, y durante un año, la Ciudad deberá desarrollar actividades asociadas a esta designación.
La designación impulsa a preguntgarse cuáles son las otras tareas que la Ciudad produce, más allá de esta actividad puntual, para apoyar el mercado editorial local, y también, cuál es realmente el estado de la industria del libro.
La directora del proyecto de BACML 2011, la ex legisladora porteña del PRO, Luciana Blasco, sostiene que este “es un premio por todo lo que en esta ciudad se viene haciendo para promover el libro y la lectura”. La designación se consigue porque en “2009 el gobierno motoriza esta iniciativa ya que considera a Buenos Aires una ciudad de letras, por sus librerías, escritores y bares literarios.”
Si bien el objetivo de la designación, según la directora, es “la promoción del libro, la lectura y la difusión del patrimonio libresco”, Blasco también plantea que la presentación de la obra La Torre de Babel realizada por la artista plástica Marta Minujín, que consiste en una torre construida con libros, “será el hito” del programa.
Es para preguntarse entonces si el proyecto consiste solamente en una enorme vidriera destinada a la difusión y el impacto mediático. Blasco explica: “La difusión no es una tarea menor. Está muy bien que el Estado genere nuevas actividades, que muestre lo que hace tanta gente. En vez de desarrollar cosas nuevas, está muy bien mirar las que se vienen haciendo hace tiempo, que hace gente talentosa, que sabe de esto, y ver como los ayudamos para que eso crezca un paso más.”
La funcionaria insiste con que “hay que potenciar esto que ya existe.” Agrega: “En Buenos Aires todos los días se presenta un libro, si nosotros armamos un ciclo que englobe todo esto que ya sucede lograremos obtener atención y potenciar cada una de esos eventos individuales.”
BACML 2011 se presentará en el marco de la más politizada que nunca Feria del Libro de Buenos Aires. Sobre esto Blasco respondió: “El ministro ya se pronunció al respecto, comparto particularmente su opinión sobre el tema Vargas Llosa. La Ciudad tendrá su noche como todos los años en la Feria del libro. Esperamos que sea un ámbito de tolerancia.”
Damián Ríos, fue editor de una de las editoriales de catálogo más interesante durante los 2000, y hoy es editor y dirige (práctica habitual en las pequeñas editoriales) su propio emprendimiento: Blatt y Ríos. Su visión es que el gobierno de la Ciudad “va a poner dinero en un año electoral, porque apunta a este tipo de eventos que le rindan a nivel tapa de diarios”. Para él, “se vende que Buenos Aires es una ciudad culta y arman eventos que causan impacto en la opinión pública, pero no hay políticas a nivel micro.” Ríos dice que “aprovechan lo que ya hay, la cosa independiente y autogestiva que tiene la Ciudad de Buenos Aires.”

SOBREOFERTA Y SOBREDEMANDA. Sebastián Noejovich coordina el programa “Opción Libros” que funciona dentro de la Dirección de Industrias Creativas en el Ministerio de Desarrollo Económico. Explica que “a diferencia del Ministerio de Cultura que se ocupa de la promoción cultural en general”, ellos trabajan “en el desarrollo de la industria, en que las editoriales sean mejores editoriales, las librerías mejores librerías.” “El Estado (es entendido entonces) no como un productor de bienes culturales sino como un generador de desarrollo económico.”
Para Noejovich, “el mercado editorial local vive un clima de sobreoferta, en el cual a las pequeñas y medianas editoriales les cuesta mucho llegar a los lectores.” Por esta razón dice: “Trabajamos en darle visibilidad al catálogo de las editoriales independientes a través de acciones concretas.”
Consultado acerca de esta idea de sobreoferta, profundiza: “Si vas a una librería te vas a encontrar con libreros que ni tienen noción del material que tiene en la librería. Muchas veces no tienen espacio para guardar el material con el que cuentan. Y en este clima no tiene sentido aumentar ciegamente la producción. Nos parece que es más interesante generar valor sobre la producción.”
Sobre esto el interrogante podría ser si subsidiando el precio del papel no bajarían el precio de los libros y de esa forma mejorarían las ventas y también se generaría valor. Noejovich sostiene que “no es el precio lo que está definiendo el clima de la industria.” Explica: “Es cierto que los libros se han encarecido porque se encarece el insumo principal que es el papel. Nosotros creemos que hay que generar valor sobre la oferta y asegurar un circuito de comercialización dinámico. Quiero decir, si hay un pequeño editor y se le subsidia el papel, por supuesto que se lo está ayudando como caso concreto, pero no estaríamos haciendo que la industria funcione mejor.”
El editor Damián Ríos, comenta sobre esta idea de la sobreoferta, que “es verdad que existe una cantidad de libros que excede lo que puede mostrar la librería, pero también es verdad que hay mucha gente que va a comprar y no encuentra lo que busca.” Es decir que “hay mercado para autores que muchas veces no están en las librerías, tanto autores nuevos como clásicos.” Para Ríos esto habla de una “sobredemanda” y una diversificación del mercado: “Hay lectores más variados. Lo mismo pasa con otras cosas, con los alimentos por ejemplo. Entonces las librerías no dan abasto para recibir todo lo que se produce.” Sobre el tema del papel, Ríos dice: “La única ventaja que tiene el editor es la relación de confianza que pueda construir con su imprentero y las facilidades que este le pueda otorgar, imprimiéndole libros que después el editor paga en cuotas. Pero en esa relación no interviene el Estado ni el sistema bancario.”
Para Noejovich, hay una dificultad en que el mercado local sea tan acotado. “La única manera de proyectarse para las empresas esmediante la internacionalización, y hay dos maneras de hacerlo: a través de la venta de derechos y de la exportación.” Mediante subsidios, explica, se llevan a editores a ferias internacionales como Frankfurt. “El año pasado llevamos a diez, este año llevaremos a otros siete”, comenta. También, agrega, que traen compradores del exterior para reunirlos con las editoriales locales.
La cantidad de editoriales, librerías, los autores y la historia de Buenos Aires asociada con un pasado de letras, parecen suficientes para montarse sobre éstas, mitificarlas y sacarles provecho. A veces parece que la palabra gestión no contiene en sí la acepción que implica “gestar” y se reserva su significado solamente a “administrar”. La gran pregunta sería: si hoy no se gesta, sobre qué se podrá hacer cierto alarde en el futuro.<

http://tiempo.elargentino.com/notas/como-promover-libro-y-mercado-editorial-segun-pro

Entrevista a Bahiano

2011-03-24T09:49:00.002-03:00

Llega tarde, pero aunque dice que la Panamericana era un caos, no está de mal humor. Fernando Hortal, más conocido como Bahiano, está en plena presentación de su tercer disco solista, “Rey mago de las nubes”. Este material también tiene que ver con otro de sus proyectos de los últimos tres años, su programa “MP3” (Música para el tercer milenio) que se emite por Canal 7, con el que ha viajado por toda América relevando formas de producir música y entrevistando a referentes locales.

Noticias: ¿Qué lo llevó a conformar el repertorio de este disco?

Bahiano: La búsqueda no fue fácil, había muchos temas que me daban ganas de hacer pero por ahí no eran justo para mí, o no eran para versionar. No tengo una exactitud del porqué, pero con todos me sentía cómodo.

Noticias: Algunos temas tienen que ver con el trabajo, el sacrificio, el sufrimiento...

Bahiano: Muchos de los repertorios populares tienen que ver con eso, con la cotidianidad, el trabajo, el dolor, pero lo social no fue buscado. Simplemente me sentía en sintonía con este tipo de canciones. La idea siempre fue personalizarlas, hacerlas desde mis influencias musicales, y no tal cual eran, porque para eso está el original y los originales son imbatibles.

Noticias: ¿Qué lugares por los que viajó lo conmovieron?

Bahiano: Hubo varios, en Chile estuve con Los Jaivas, Quilapayún, con Isabel Parra y su familia, todo con una carga político social de muchos años, entonces era un lugar fuerte.

Noticias: ¿Y en su historia de vida eso es significativo?

Bahiano: Sí, todo fue significativo. Me di cuenta de que ya era el momento de hacer un disco como este. Como solista es mi punto maduro.

Noticias: También estuvo en Cuba...

Bahiano: Cuba es un lugar esencial, porque mucho de la música latina surge a partir del son. Los cubanos son muy especiales y en la música son muy eruditos. Estuve con muchos músicos, entre ellos Silvio Rodríguez. Cuba es muy energética respecto de la música. Escuchar música en su lugar de origen te cambia la perspectiva completamente, no es lo mismo que escucharla en tu casa.

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http://www.revista-noticias.com.ar/comun/nota.php?art=3185&ed=1787

El ruido no se calla

2011-03-16T11:10:00.001-03:00

Habitualmente estamos sometidos a innumerables fuentes de ruido ambiental, tanto que se dificulta comunicarnos en la vía pública. Cuando la alarma de un auto nos despierta en medio de la noche, el tráfico no nos permite volver a dormir y al otro día nos caemos de sueño en el trabajo, no consideramos que eso tiene que ver con la contaminación sonora. Es que se trata de una polución que no vemos saliendo de chimeneas o flotando viscosa en el Riachuelo, por lo que hasta trágicamente nos da la sensación de acostumbrarnos a ella.

Según la Agencia de Protección ambiental de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, los porteños padecen la ciudad más ruidosa del mundo luego de Tokio, Nagasaki y Nueva York. Este logro no es reciente, la Ciudad viene teniendo este privilegio desde hace varios años, y reconociendo esto se sancionó en 2005 la ley 1540 que fue reglamentada en 2007. Un artículo de la ley indicaba la necesidad de un muestreo del ruido de la ciudad para tomar medidas en base a resultados concretos. El Ministerio de Medio Ambiente junto con la Universidad Politécnica de Madrid y la ONG Oír Mejor concluyeron en 2006 este mapa de ruido.

El mapa no incluyó a toda la ciudad, pero sirvió para establecer los sectores más afectados, donde destacan casi la totalidad de las trazas de las avenidas más importantes como 9 de Julio, Corrientes, Córdoba y Santa Fe, entre otras. Algunas intersecciones como la de Santa Fe y Pueyrredón, por ejemplo, u otras en Barracas, Retiro y Constitución, llegan a los 80 dB. La Organización Mundial de la Salud recomienda que los sonidos no superen los 70 decibeles (dB), aunque el ruido comienza a ser considerado molesto a partir de los 40 dB. Si éste pasa la frontera de los 90 dB puede causar daños irreparables.

Link nota completa: http://notio.com.ar/ecologia/el-ruido-no-se-calla-5731

Cambio climático y espacios verdes porteños

2011-03-16T11:08:00.000-03:00

Cuando se habla del problema del cambio climático se suele pensar en los lejanos glaciares polares, en los bosques tropicales o en fechas como el 2050, es decir, en espacios y tiempos que no suenan demasiado cercanos. Rara vez solemos incluir nuestra ciudad en tiempo presente en el centro del problema, e incluso muchas de sus reconocidas preocupaciones, como el extremo calor o la lluvia, se piensan incluso, por fuera de cualquier idea de ecosistema.

Cada tanto el calor agobia hasta lo insoportable o alguna lluvia inunda de manera inusitada la ciudad ylos temas se relacionan, pero rápido nos volvemos a olvidar. El arquitecto Osvaldo Guerrica Echevarría, es miembro de la Asamblea Permanente por los Espacios Verdes Urbanos (APEVU) y nos comenta que las inundaciones están íntimamente relacionadas con la disminución de las superficies de absorción. En la Ciudad de Buenos Aires "los espacios verdes han sido reducidos a lo largo del siglo XX, de 7m2 por habitante a principios de siglo, a menos de 2 m2". La Organización Mundial de la Salud, en un informe del 2004, establece que en cada ciudad debería haber como mínimo 10 m2 por cada habitante y como relación óptima 15 m2 / habitante. Y esta relación no es utópica, New York o Amsterdam se mantienen por encima de los 20 m2 / hab., París y Madrid por encima de los 10, e incluso ciudades de gran densidad de población como Tokyo o el Distrito Federal de México, aunque se encuentran por debajo de lo recomendable, casi duplican la relación porteña.

Link nota completa: http://notio.com.ar/ecologia/cambio-climatico-y-espacios-verdes-portenos-4166

Las otras películas sobre redes sociales

2011-03-04T18:04:00.004-03:00

"127 horas" y "Enterrado" hablan de la disolución de los vínculos sociales y de la hiperpresencia de las tecnologías de la comunicación en nuestras vidas.

127 horas es una película sobre la pérdida de los vínculos. El personaje que interpreta el actor James Franco, Aron Ralston, no está preocupado por lo que tiene que hacer para liberarse de la roca que lo ha atrapado en una grieta en los cañones de Utah, sino que se lamenta por no haber avisado a nadie donde iba. Todo ese tiempo en el que está prisionero, no lo está de la roca solamente, sino que está atrapado por su soledad y por la disolución de sus lazos familiares y sociales.

Aron no es un joven hosco o intratable, al contrario, antes de quedar atrapado encuentra unas chicas y las acompaña y nada con ellas en una sugerente laguna azul, pero luego sigue su camino, se atiene a cierto plan previamente trazado. Hay algo en esto que podemos asemejar a los vínculos que se establecen en las tan renombradas redes sociales: contactos fugaces, tangenciales, pero muy pocas veces convergentes.

La soledad no es un fenómeno exclusivamente contemporáneo y mucho menos que hayan inventado las redes sociales. No obstante, diferentes autores de distintas disciplinas coinciden en que la soledad es más difícil de sobrellevar por los días que corren, debido a la excesiva saturación de discursos a la que las personas están expuestas. Esa cantidad inmensa de diálogos que llegan a los ojos y oídos, desdibujan el sentido del mundo que las personas pueden construir e inclusive resquebraja una respuesta o una imagen clara sobre sí mismos. Existen muchas voces, propuestas, murmullos que se tornan incesantes: chat, Twitter, Facebook, la navegación de una Internet infinita, mensajes de texto y el zapping televisivo. Todos estos discursos son difíciles de dosificar y también que pasen a ser significativos realmente para nosotros, que nos apropiemos de ellos y podamos absorberlos y sintetizarlos.

En Enterrado (Buried), el actor Ryan Reynolds, hace de un contratista secuestrado y enterrado en Irak. Si bien es un thriller que no deja aliento al personaje para hacer otra cosa que no sea pensar en salvar su vida, hay momentos en los que también el acento está puesto, al igual que en 127 horas, en la disolución de los vínculos con el afuera. En ambas películas, más allá de sus aislamientos particulares, la sensación de claustrofobia está generada por la falta de aire social que tienen los personajes. Ninguno de los dos son hostiles, sino que son emergentes de cómo la mayoría de las personas actualmente construyen sus afectos.

En las dos películas la conexión con el afuera está dada por el uso de aparatos tecnológicos. En 127 horas, la cámara de video que le permite repasar su vida algunos días hacia atrás y filmarse en caso de no poder salir nunca del lugar donde está atrapado. En Enterrado es su moderno teléfono celular, con el cual se envía fotos y videos con los secuestradores y las autoridades que intentan liberarlo.

Muchas veces la respuesta es culpar a la tecnología por alejar a las personas. Aunque en realidad no es que la tecnología lo haga, sino que ésta se presenta como una posibilidad de reponer aquello que ya estaba roto. Las redes generan la ilusión de que construirán esos lazos de los que carecemos, que encontraremos de quien nos separamos, que nos hallará de quien hemos huido. Es ahí donde repararemos todos nuestros errores que en el plano físico hemos cometido y obtendremos todo el afecto que en lo social carecemos. Obviamente cuando fallan tenemos más motivos para criticarlas.

Ambos personajes son personas jóvenes, con un manejo constante de las herramientas que proveen las tecnologías del mundo de la información, han crecido en ese entorno de nexos poco duraderos y en donde las redes se muestran como la gran promesa de ganar en cantidad de vínculos lo perdido en calidad de tiempo y espacios comunes compartidos físicamente. Los dos tratarán de invertir algo de su momento de aislamiento forzado en reflexionar más o menos fugazmente en qué ha sido de los afectos a los largo de sus vidas, ambos buscan una narración que los cuente, se hallan atrapados, esperando por el sentido.

No es de tiros

2011-03-03T16:38:00.002-03:00

John Curran logra sintetizar lo que venía insinuando en sus películas anteriores: sutileza dentro de ambientes exuberantes. "La revelación" ("Stone") se vende como de acción, pero es mucho más que eso.

La revelación (Stone) es una película de esas que pueden llamarse "chiquitas". Más allá de que los actores y actrices que la protagonizan sean de gran cartel, no hay nada en el film que sea para el entretenimiento del gran público. Si bien la historia parece que se viene con tiros, explosiones y asesinatos, por tratarse de un delincuente encarcelado y su oficial de libertad condicional, no es el camino que toma el relato.

La revelación (Stone) no es una película de acción aunque tiene todo para que así sea. Está más cerca de lo que se suele llamar un thriller psicológico, aunque se podría decir que tampoco es un thriller. Es por eso que muchas de las críticas la han tildado de aburrida, o de pesada, aunque la película no es nada de eso. Sólo requiere que no se la vea participando en esos géneros, a los que renuncia permanentemente. Tal vez esté más cerca de un drama existencial. La rareza es cómo puede desarrollarse algo así con tantos elementos que inducen a lo explosivo.

Robert De Niro es Jack Mabry, quien está a punto de jubilarse de un empleo que consiste en otorgarle o no la libertad a los presidiarios que están cerca del cumplimiento de condena. Él revisará el caso de Gerald "Stone" Creeson, Edward Norton, condenado por participar en el asesinato de sus dos abuelos. A Mabry se lo muestra excesivamente preocupado por la religión que profesa. Escucha obsesivamente en su auto un reverendo que habla de la fe, de la culpa y de la salvación. Marby es como mínimo culpable de lo que nos muestra el director, haber sido un marido y padre ausente, absorto en la televisión y la cotidianeidad y haber coercionado psicológicamente a su mujer para que no se divorciara de él.

La vida densa de la cárcel, hace presumir que en Mabry hay muchos más secretos, aunque eso es lo interesante: tal vez sí, tal vez no, y lo más importante, aunque no los haya, está la tentación, que para la vida escrupulosa de Mabry eso es como si efectivamente hubiese cometido esos pecados. Su esposa, la actriz Francis Conroy (la madre de la familia de los Six feet under) ha renunciado a encontrar en su marido una pareja y lo ha hecho en la compañía de la bebida.

Stone, no soporta más la cárcel y pide por su libertad. Se ha portado bien, y tal vez lo merece, pero Mabry no ve arrepentimiento o por lo menos no en la medida del exigido por sus creencias religiosas. En otro giro que aleja la película del thriller e inclusive del suspenso, Stone, que se da cuenta de esto, en vez de "adecuarse" a los preceptos de fe, encuentra en la biblioteca un libro de una de esas creencias entre new age y mesiánicas, y empieza a vivenciar sus enseñanzas. En las entrevistas que frecuentemente tiene con Mabry, Stone comienza a mostrarse como poseedor de una verdad y una tranquilidad de la que el otro carece. Por más fervor que ponga en la escucha de su reverendo, Mabry no tiene la paz que ha encontrado Stone. Tiene la certeza de que algo se está perdiendo, de que algo se le escabulle aunque no sabe qué.

Milla Jovovich es Lucetta, la esposa de Stone. De los mejores trabajos de Jovovich que de vez en cuando sorprende cuando se baja de su papel de chica pega piñas. Aquí hará de una maestra jardinera un poco loca, con conocidas dotes para manipular personas, y que intentará por todos los medios hacer que Mabry dé su consentimiento para la liberación de su marido.

La síntesis de Curran

El director de La revelación (Stone) es John Curran, que con muy pocos largometrajes estrenados ha logrado una madurez admirable. Siempre castings impecables aunque no sorprendentes, eligiendo actores reconocidos y de buena técnica como Edward Norton (que repite de la anterior The painted veil) o Naomi Watts (The painted Veil y We don't live here any more), pero buscando de ellos un verdadero desarrollo del personaje. Norton lleva adelante un Stone con una voz parecida a una afonía crónica, de esos ejercicios que Hollywood adora, pero con unos giros y unas progresiones que le dan esa vida tan real más que verosímil, que impacta. De Niro desespera con su apatía, y eso no es menor, porque lo más común es que el aburrimiento en la pantalla aburra. Acá al contrario, su aburrimiento y su desintegración ética, inquietan. Jovovich es igual de dulce que temible, igual de loca que de altruista.

Seguramente hay un punto fuerte en Curran, el trabajo, desde el guión y la dirección, sobre los personajes. En La revelación (Stone) hace igualmente algo nuevo, y algo que no suele verse en el cine hollywoodense. Llega a una síntesis poética, que carece de relevo de diálogo. La metáfora reemplaza extensos parlamentos sobre la pareja. Una mosca chocando contra un mosquitero, es ella encerrada. La iteración marcada en una tienda, en la entrega de las dos botellas de whisky a Mabry sin que este diga siquiera "lo de siempre", es totalmente inusual.

En La revelación (Stone) no hay como en su película anterior, El velo pintado (The painted Veil), esos ambientes naturales de los campos de China, frondosos y ricos en colores, en donde la buena fotografía es casi una necesidad narrativa. Existe igualmente algo que es cierta exuberancia simbólica y proviene de la hostilidad del encierro. Aquí Curran se recluye en una cárcel, pero no se desentiende de la fotografía ni de calculados encuadres y movimientos de cámara para contrarrestar muchas veces el aislamiento. No refuerza mediante la imagen las sensaciones opresivas de los personajes, es al contrario. Intenta minimizarla narrando todo suavemente como si fuera una caricia en las misma heridas que inflige con la historia.

El balance no es solo una buena película, es una de esas joyas, que uno descubre en el medio del fango del mainstream, en donde solo se encuentran las otras: las necesarias taquilleras de distracción y entretenimiento.

Entrevista a Dante Spinetta

2010-11-15T09:57:00.004-03:00

Me parece verlo en un bar, en la otra esquina de donde pautamos la entrevista. Al rato aparece y lo confirma: se había detenido a comer algo. Y por Twitter, comentaba con sus fans: “Licuado de manzana y kiwi, como para arrancar una tarde de prensa...”. Hace rato que dejó de ser “el hijo de Luis Alberto Spinetta”, y también “el ex Illya Kuryaki and the Valderramas”, la banda que formó con Emmanuel Horvilleur, con la que grabó varios discos y tocó con músicos internacionales del funk, del soul, y el rap. Ahora es Dante, solista, y según lo define, hace “música urbana”. No se reconoce como un purista del estilo, sino como un “mestizo”.
En su último disco, Pyramide, trató de plasmar cierta apertura del camino que venía trazando. Este año, también, se separó de María José Álvarez Franco, con la que vivió 10 años y tuvo dos hijos: Brando y Vida. El mismo concepto del disco, “encontrar el equilibrio”, le ha servido como referencia en su trayectoria.
Noticias: ¿Está cumpliendo 20 años de carrera?
Dante Spinetta: Mirá, no lo pensaba, pero está bueno. Tengo más años en la música que fuera de ella.
Noticias: ¿Y qué siente al respecto?
Spinetta: Que hice muchas cosas, Pyramide es mi disco número 10, y el tercero solista. Igual, sigo sintiendo que me falta hacer más, y está bueno porque sigo teniendo la ambición de mejorar. Además, como hay años que no recuerdo nada...
Noticias: ¿Tiene que ver con cómo los vivió?
Spinetta: Nunca me drogué, casi ni tomo alcohol, no fumo, soy más sano que Lassie. Emmanuel (Horvilleur) se acuerda de todos los lugares donde tocamos, yo era más de centrarme en el show.

NOTA COMPLETA:

http://www.revista-noticias.com.ar/comun/nota.php?art=3001&ed=1768

Entrevista a Malena Pichot

2010-11-15T09:49:00.004-03:00

Entra una chica bajita, de pelo corto, por la puerta del bar y se dirige a la mesa donde estoy sentado. Cuando está a unos metros, me dice achinando los ojos: “No veo, soy ciega”, y se presenta. Aunque son las dos de la tarde, todavía no ha almorzado, y parece que tampoco ha desayunado, así que se pide algo bastante suculento. Malena Pichot, esta joven estudiante de Letras, es seguramente un excelente exponente de las nuevas formas de relacionarnos con las tecnologías de la información y cómo estas pueden modificar nuestras vidas.
Noticias: La suya fue una fama repentina ¿Cómo empezó?
Malena Pichot: Estaba en mi casa en bata, tomando whisky y flores de Bach. Me había dejado un chico y estaba deprimida. En un momento me miré y me pareció gracioso el estado lamentable en el que estaba, así que empecé a hacer un videíto parodiando mi propia vida. Me grabé en distintas situaciones, lo edité y lo subí a internet. Se lo pasé a mis amigos y me empezaron a decir que estaba bueno, y eso me devolvía la autoestima. Después se empezó a correr la bola, hasta que me di cuenta que algo en serio pasaba porque un pibe que no había visto nunca me reconoció en una fiesta.

Nota completa:

http://www.revista-noticias.com.ar/comun/nota.php?art=2853&ed=1755

Entrevista a Sergio Bizzio

2010-07-31T17:43:00.004-03:00

“La literatura está más en lo ambiguo”

A Bizzio no le simpatizan mucho las entrevistas y no se siente cómodo con las fotos. “Debe ser toda una profesión esta de posar”, comenta, mientras ensaya algunas caras. No obstante, lo padece con mucho humor y mantiene su buena disposición. Tal vez algo de su sensación de estar fuera de lugar se deba a que, debido a su profesión de escritor, está acostumbrado a crear personajes y no a ser uno él mismo.
Es uno de esos escritores al que se le suele aplicar todavía el adjetivo de “joven”, y se podría deber –más allá de las actuales prórrogas sobre todas las categorías etarias acostumbradas– a que escribe como tal, a que sus temas son los del joven o del joven adulto. No sólo los de sus novelas o cuentos, porque enseguida el diálogo se desvía hacia rock, la psicodelia y los recitales. Es que otras de sus actividades es la música.
Noticias: Escribe novela, poesía, teatro, guiones para TV y cine. Es músico y además director de cine. ¿Cómo concilia todas estas actividades?
Sergio Bizzio: Escribo principalmente novelas, no hago tantas cosas. Y escribo unas seis horas diarias, así que en realidad tengo mucho tiempo libre. No tener nada que hacer es mucho más difícil que escribir.
Noticias: Y en ese tiempo libre, ¿a qué se dedica?
Bizzio: No hago demasiadas cosas, aparte de escribir. Últimamente estoy dedicándole bastante tiempo a la banda (“Súper siempre”, junto al músico Alan Courtis, el artista plástico Alfredo Prior, y el escritor y editor Francisco Garamona). Estamos grabando el segundo disco, “Los hielos eternos de América Latina”. Es una banda ruidista, donde “saber” no es lo que importa, de hecho la mitad de los integrantes no sabemos tocar, pero esto es otra cosa, los temas son como mantras.

Nota completa:

http://www.revista-noticias.com.ar/comun/nota.php?art=2833&ed=1753

Entrevista a Lisandro Aristimuño

2010-06-03T12:22:00.005-03:00

En el pintoresco bar-oficina del barrio de Chacarita, Lisandro mira por la ventana. Hay un montoncito de platos apilados en la mesa, con restos evidentes del almuerzo reciente que ha compartido con un amigo. Cuando lo saludo, parece que lo trajera de vuelta de una ensoñación en la que estaba absorto, o que acusara la somnolencia posterior al almuerzo. Cualquiera de las dos opciones justifica un “cafecito” para empezar la entrevista.

Noticias: En este tiempo que está en Capital vivió en Palermo, en Almagro y ahora en Chacarita. ¿Eso tiene que ver con buscar un barrio para acostumbrarse a esta ciudad?

Lisandro Aristimuño: No, tiene que ver con una cuestión económica. Cuando llegué de Viedma viví en Palermo, pero empezaron a subir los alquileres porque se puso de moda. Después me mudé a Almagro porque una amiga me dejó el departamento. Y ahora me vine para Chacarita, porque recién ahora estoy viviendo de la música y tengo un ingreso como para alquilarme algo. Y en este barrio estoy cerca de mis tíos y mis primos.

Noticias: Con este cuarto y último disco que salió a finales del 2009, “Las crónicas del viento”, también inició la experiencia del sello discográfico propio, “Viento azul discos”. ¿Cómo surge la idea de armarlo?

Aristimuño: Tiene que ver con una posición que tomé hace tiempo. Al principio arranqué con el sello “Los años luz”, un sello independiente que tuve la suerte de que me haya convocado para sacar mi primer disco. Y después siempre tuve la idea de hacer un sello para promocionar también la música que a mí me gusta. Porque además soy un melómano loco, me encanta comprarme discos, coleccionar vinilos. Y se fue dando, también por esto de viajar por la Argentina. Los músicos que me iban a ver me dejaban discos, demos, para que escuchara.

Nota completa:

http://www.revista-noticias.com.ar/comun/nota.php?art=2711&ed=1742

La música también es política

2010-05-01T13:27:00.007-03:00

Lisandro Aristimuño es uno de los músicos más destacados de los últimos años. Desde que llegó de Viedma, a vivir a Buenos Aires en 2001, ha grabado cuatro discos y creado su propio sello discográfico.

En el pintoresco bar-oficina del barrio de Chacarita en el que suele dar notas, Lisandro, mira por la ventana hacia afuera. Hay un montoncito de platos apilados en la mesa, con restos evidentes del almuerzo reciente que ha compartido con un amigo, que al llegar nosotros para comenzar la nota, se retira apresurado. Cuando lo saludo, parece que lo trajera de vuelta de una ensoñación en la que estaba absorto, o acusara la somnolencia posterior al almuerzo. Cualquiera de las dos opciones justifica un "cafecito" para empezar la entrevista.

–En este tiempo que estás en Capital viviste en Palermo, en Almagro y ahora en Chacarita. ¿Eso tiene que ver con buscar un barrio para acostumbrarte a Buenos Aires?

–No, tiene que ver con una cuestión económica. Cuando llegué viví en Palermo, pero empezaron a subir los alquileres porque se puso de moda. Después me mudé a Almagro porque una amiga me dejó el departamento. Y ahora me vine para Chacarita, porque recién ahora estoy viviendo de la música y tengo un ingreso como para alquilarme algo. Y en este barrio estoy cerca de mis tíos y mis primos.

–En tus letras hay cierto aire de nostalgia de ese sur que se va constituyendo, cada vez más en algo casi mítico.

–En realidad soy una persona nostálgica, si no hubiera nacido en el sur también sería nostálgico de ese lugar. Y no solo de los lugares, me gusta la nostalgia, y creo que es una situación casi corporal que me inspira para escribir. Y eso le sucede a muchos. Igualmente del sur no tengo demasiada nostalgia, porque cada tres meses vuelvo a Viedma. Cuando me saturo un poco, me tomo un bondi y voy para allá.

–Con este cuarto y último disco que salió a finales del 2009, "Las crónicas del viento", también iniciaste la experiencia del sello discográfico propio, "Viento azul discos". ¿Cómo surge la idea de armarlo?

–Tiene que ver con una posición que tomé hace tiempo. Al principio arranqué con el sello "Los años luz" que es un sello independiente que tuve la suerte que me hayan convocado para sacar mi primer disco. Y después siempre tuve la idea de hacer un sello para promocionar también la música que a mí me gusta. Porque además soy un melómano loco, me encanta comprarme discos, coleccionar vinilos. Y se fue dando también por esto de viajar por la Argentina. Los músicos que me van a ver me dejaban discos, demos, para que escuchara.

–¿Sos como un referente?

–Sí, puede ser que sí. Está bueno, ¿no? Y eso me hizo pensar en armar un sello para abrir el campo, para estar ahí donde las multinacionales dicen: "Eso no sirve". Así que, ya que me dan bola a mí en el ambiente porteño, quiero ayudar. Y también la idea es ser más independiente que antes, tener un poco más de control de las cosas. Hacer el pan vos, sacarlo del horno y vendérselo a la gente calentito, como en los viejos tiempos.

–Veo que te entusiasma todo este proceso.

–Sí, me entusiasma y me pone feliz por el hecho de demostrar que se puede, que no tengo que ir a Sony para sacar un disco.

–¿Y qué se habla hoy entre los músicos sobre este tipo de emprendimientos?

–Hay una hermandad muy grande sobre todo entre los músicos independientes, una fuerza que se generó porque ya era demasiado el abuso de las grandes corporaciones. Por suerte también hay mucho amor, no esa cosa competitiva de ver quién gana. La música está primero.

–¿Y ahora que tenés tu sello qué opinás sobre bajar música a través de Internet?

–Siempre pensé lo mismo. Tengo la suerte de que la gente que gusta de mi música sea de la que le gusta tener el disco. Por el hecho de que sabe que yo busqué la harina y le puse algo mío también. Tiene todo un concepto general. No es un disquito con una laminita con el nombre de los temas y nada más. Internet es un invento maravilloso, permite abrir y generar tantas cosas... La opción de escuchar música de Islandia o de Japón, que haya sitios donde gente pueda mostrar lo suyo.

–Respecto de tu música: ¿Cómo surge la idea de fusionar dos estilos como son la electrónica y el folclore?

–Eso pasó cuando llegué a Buenos Aires. Los dos primeros años era muy difícil conseguir gente para tocar porque no conocía a nadie. Tenía a mi primo acá que tenía su compu con algunos programas. Y ahí pensamos que hasta que tuviéramos un batero podíamos usar eso.

–¿Qué programas usaban?

–El Reason o el Fruity Loops inclusive. Y empezamos así como un juego, yo tenía unas canciones, hicimos unas pistas y tocamos arriba. Yo traía la cosa del folclore, más madera, más tierra y mi primo me mostró el otro lado. Y ahí hacíamos el intercambio: él me pasaba Massive Attack y yo Peteco Carabajal. Y un día dijimos: "¿Y si mezclamos cosas como éstas?". No lo pensamos como una fórmula, si no como "bueno, vamos a jugar y ver qué queda".

–¿Y no te importa que se vea como que es una especie de fórmula?

–Pueden decir lo que quieran, pero yo no soy eso. He escuchado que se duda si soy de Viedma inclusive.

–En este último disco tuviste varios invitados, Fito Páez, Diego Frenkel, Palo Pandolfo, antes Liliana Herrero, ¿cuál es el sentido que le das a estas invitaciones?

–Creo que la música es como el agua (hace un gesto de zigzagueo con la mano), se va metiendo. Yo no sé quien está escuchando mi disco, y de repente alguien te cuenta que tal persona lo está haciendo. Y otro te viene a ver al show y después vienen al camarín a saludar y quedás para tomar un vinito y charlar porque a vos te gusta lo que él hace, lo admirás. Y también, me ha pasado de gente que ni te imaginás que le gusta lo que hacés, porque hace otro tipo de música.

–¿Cómo ves la escena del rock actual?

–Hay un cambio enorme. Se viene una bomba terrible. Con esto me la juego, pero creo que Argentina va a ser uno de los ejemplos de música independiente. Se va a hacer todo más equilibrado. Vamos a ir a algo más artesanal. Así empieza todo, de a poquito.

–En tu último disco (que es doble), en el segundo, grabaste vos mismo todos los instrumentos. ¿Cómo llegaste a ser multi-instrumentista?

–Tiene que ver con mi infancia. Mi viejo, que es músico, ensayaba con su banda en una pieza de casa. Era "la sala de papá", y tenía la batería armada, la viola, el teclado y yo entraba y quería tocar todo. Es como que la música era un juego.

–Aprendiste jugando.

–Claro, tuve esa suerte, de tener a mano los instrumentos que eran de los amigos de mi viejo. Obviamente los agarraba cuando él no estaba.

–¿Ah, no aprendiste con tu viejo?

–No, no. Tenía prohibido entrar a la sala incluso.

–¿Y si se enteraba?

–Se hacía el enojado, pero le gustaba en el fondo.

–¿Y después él no se acercaba y te mostraba un acorde o algo?

–No, mi viejo no, pero me enseñó cosas más importantes que esas. Me enseñó a luchar por lo que uno quiere y no dejarse llevar por lo que se dice que es normal. Y eso tiene que ver con mi música también.

–¿Y a tocar cómo aprendiste?

–Fui aprendiendo porque laburaba como músico haciendo covers. Cosa que es muy común en el interior. En los bares te preguntan por ejemplo cuando vas a buscar lugares para tocar: "¿De quién hacés temas?". Laburaba de eso, y así aprendí, sacando temas de otros con el cancionero.

–¿Te interesan otros temas por fuera de la música? ¿La política, por ejemplo?

–Lo que pasa es que la música también es política. La música es algo social, creo que con lo que te estuve contando hay un camino político marcado: ser independiente, tener un sello propio, creer en lo cooperativo, estar en contra de las multinacionales. No soy de ningún partido político, pero sí hago política.

–¿Te incomoda expresar una preferencia?

–Es que no me interesa que se me conozca por eso. Lo hago en el día a día. No me interesa tener la bandera de alguien.

–Tus letras manejan una poética con indicios de algunas lecturas, ¿solés leer literatura?

–No soy un gran lector, pero tengo la suerte de tener una persona al lado que sí lo es...

–¿Puedo preguntarte a quién?

–Mi pareja.

–¿La misma chica con la que te viniste de Viedma?

–Sí.

–Una historia de amor...

–Totalmente. Y de la misma manera que yo escucho música ella lee. Y es la que se encarga de decirme: "Tomá, lee esto". Pizarnik es como si fuera Lennon para mí. Salinger, Bukowski, Cortázar, Galeano, también me gustan mucho.

–Hay muchas de tus letras que tienen que ver con el amor, tu tono de voz es a veces melancólico. Esto genera una imagen de chico sensible. ¿Cómo te llevás con eso?

–Me gusta que no hayas dicho "frágil". Es la primera vez que dicen "sensible". Estoy cansado de decir que la fragilidad es otra cosa. ¿Ser frágil es hablar de un beso? Si fuera frágil no podría tener mi sello, cuatro discos, viniendo de Viedma... No es la palabra. Pero sí soy sensible, mi vida está basada en sentir cosas y no en pensar a veces. Así me va cuando tengo que ir al banco (risas). Algunos pibes me dicen: "Me gusta tu música, pero no soy puto". ¿Por qué eso? ¿No será que los hombres tenemos que mostrar más nuestro lado sensible?

La ciencia freak

2010-05-01T13:19:00.008-03:00

Fringe, del mismo creador de Lost, es una serie donde las teorizaciones menos creíbles y más deslumbrantes de la ciencia se han convertido en una posibilidad. Con ciertos parecidos a los Expedientes X, en Fringe, una de las novedades serán los viajes entre universos paralelos.

Enseguida la comparación con Expedientes X se presenta desafiante y se acuclilla aguardando a que los capítulos pasen y podamos responder a la pregunta sobre cuánto hay de cita, de legado en Fringe, y cuánto de refrito. Es que también se tata de una división especial del FBI siguiendo casos inexplicables, misteriosos, y clasificables como secretos de estado. De a poco la serie de J.J. Abrams se despega en varios puntos de la de Chris Carter. Los conflictos son otros, el acento no está puesto en generar una sensación de paranoia derivada de los ocultamientos del gobierno y los boicots a las investigaciones de los protagonistas, como permanentemente padecían Mulder y Scully. En Fringe, Olivia, Peter y Walter, no tendrán en el mismo FBI un gran obstáculo. Y no lo habrá sencillamente porque estos personajes lidiarán con una verdad de primera mano.

La chica ahora es rubia, no colorada como Dana. Su nombre es Olivia Dunham, y no es médica, ni tampoco tiene el lugar de la científica escéptica. Sí es una agente del FBI, que se encuentra con un caso que la mete de lleno en medio de estos hechos asombrosos. De fisonomía y porte nórdico (su padre es estonio), la actriz australiana, Ana Torv, hace a Olivia. Ella es dulce y valiente, de una belleza, que si bien no logra borrar el traje masculino que usa, tampoco llega a ser perturbadora como para que olvidemos seguir la historia. A Torv no le sobra nada, cubre con cierta candidez baches gestuales y el déficit de no realzar las complejidades de su personaje. Diferente que Scully, que no tenía mucho para parecer linda, y lo terminaba siendo, Olivia, se lava en la complejidad de la trama y solo cristaliza en los ojos claros y las pecas imperceptibles del rostro de belleza glaciar de Torv.

También, como Scully, es soltera, y obviamente aguardaremos pacientemente que madure, muy lento, bajo un sol a cuenta gotas y durante varias temporadas, el romance con el muchacho. Él se llama Peter Bishop, de pasado ligeramente delincuencial aunque con coeficiente intelectual elevado (les encanta esto del "IQ" a los norteamericanos), dato que lo destaca como rebelde pero inteligente. Peter, es el actor Joshua Jackson, conocido por su personaje Pacey, de Dawson creek. Él será el encargado de contener a su desvalido y mentalmente frágil padre, Walter, quien es un científico que trabajó en un laboratorio en el subsuelo de la Universidad de Harvard, haciendo experimentos que rebasaban el límite de lo ético, hasta que un accidente en el que murió una asistente, lo recluyó en una institución de salud mental durante 17 años.

Walter, John Noble, será el faro actoral desde donde surjan las compensaciones de todas las faltas de relieves del resto. Es que su papel tiene de todo, es el científico loco, vuelto de su propia locura, arrepentido de sus actos arrogantes y desafiantes de las leyes del universo. Es el que aporta el humor al relato salvamundista, mórbido e intrincado de la serie. El que comerá un sandwich mientras disecciona cuerpos que han muerto derretidos por un virus, o que intente preparar una malteada especial en el medio de la autopsia de una persona que ha sufrido mutaciones genéticas, o se entusiasme cuando les toquen casos como el del cuerpo que ha quedado a la mitad por un accidente, mientras atravesaba un objeto sólido desafiando las leyes de la física.

Fringe, se ocupa de los temas de la ciencia marginal, ésa que cae en la pseudociencia y que transgrede las limitaciones éticas: neuroimplantes, telepatía, piroquinesis, modificaciones de ADN, traslaciones temporales, pasaje a universos paralelos, etc., dan forma a las posibilidades temáticas de la serie. Todo esto combinado con la experiencia de vida de Walter, que ha trabajado desde los años 70 con estados alterados de conciencia, experimentando con LSD y toda clase de drogas, que cita a Carlos Castaneda y que sostiene que la vida y la muerte son datos culturales.

Al igual que en la otra serie, aún más exitosa de Abrams, la casi finalizada Lost, la única frontera de lo posible, parece estar dada por lo tradicionalmente reservado a dios: el don de la vida o el regreso desde la muerte. En la serie de la isla, el único que parecía haber trasgredido esta regla, John Locke, soportará la ilusión sólo unos capítulos. Y en Fringe pasa lo mismo, aunque se teoriza sutilmente sobre estos conceptos, no se avanza demasiado sobre revertir el proceso de la muerte. Llegan hasta el umbral de comunicarse con los muertos o sacarles información de su cerebro.

El cerebro y toda su parafernalia son una de las grandes estrellas del mundo científico, sobre todo desde el avance de las neurociencias y los estudios sobre el almacenamiento de información. En Fringe, encontraremos muchos experimentos sobre la memoria que serán fundamentales para la historia, otros frecuentes sobre el intercambio de información a través de una apertura de la percepción lograda con drogas y la neuro estimulación. Uno de los personajes, debido a neuro experimentos que se le han practicado, será una especie de Neo de Matrix, el elegido, el encargado de percibir cosas que los demás no pueden. Es donde Fringe, roba del universo del comic, de los X Men por ejemplo, un súper héroe freakoide, encargado de salvar al mundo de las atrocidades venidas del más allá.

Sí, del más allá, porque la serie va hacia el combate con fuerzas nada locales, que no vienen del espacio exterior como en los Expedientes X, ni del futuro como en Terminator, sino de un universo paralelo que la ciencia ha descubierto y sigue investigando como atravesar. Si Lost, consigue su gran fuerza narrativa de los viajes en el tiempo, al que acostumbra antes al espectador con las frecuentes idas hacia atrás en la línea de la historia, Fringe, la obtiene del conflicto con esta dimensión alternativa, en donde todo sucede en un mundo casi igual, pero que en ese casi guarda matices inimaginables por descubrir.

Con Fringe, Abrams, sigue sumando en el rumbo de las series que desafían al espectador, narraciones complejas, tramas intrincadas, que requieren atención, un seguimiento más o menos regular de los episodios, y sobre todo una mente abierta para considerar verosímiles osos polares en una isla, o que nuestra preciada realidad es una imagen tan acabada como la de los elefantes sosteniendo el mundo que imaginaban algunos mapas medievales.

La memoria es una política

2010-03-25T17:15:00.008-03:00

Decir que estudiar la historia sirve para no repetir los errores del pasado es un axioma tan insuficiente como creer que porque sé que el tabaco mata no voy a fumar. Siempre existen relaciones complejas con el pasado y con el recuerdo como para extraer del ejercicio de su actualización la idea de que no se tropezará de nuevo con la misma piedra.

La cosa se complica si pensamos en la historia como un relato. Por un lado tenemos los hechos que indiscutiblemente ocurrieron, por ejemplo: el 24 de marzo de 1976 se interrumpió un gobierno constitucional a través de un golpe militar con gran apoyo y anuencia de la sociedad civil. Ahora, cuando estos hechos se desarrollan y son encarados antes, durante y después, tratando inclusive de evitar sus causalidades y sus consecuencias, el relato igualmente se conforma. Es imposible no inscribir en este relato un punto de vista. Una ubicación desde la cual mirar, sentir, posicionarse para narrar esos hechos.

Se obtienen así muchos relatos acerca de esos hechos, inclusive algunos que nos parecerán indignos e inmorales, y que necesariamente dejaremos afuera de nuestro registro de lo que la historia significa.

Así entendida, la llamada lucha por la memoria, es la lucha por un relato de lo ocurrido. Necesariamente recortará esos hechos en una óptica determinada, dejando a la sombra otros que no serán rescatados. El recuerdo necesita del olvido, no existe memoria plena, es imposible una historia a lo "Funes el memorioso".

Por lo que vemos, el recuerdo, lo que necesariamente no se quiere olvidar, es inherentemente un hecho político que ejercita de manera continua un relato. Por otra parte la historia nunca se hace mármol, está llena de vida. Respecto de nuevas experiencias, esos hechos son abordados desde otros puntos de vista, son contrastados inclusive con situaciones posteriores y generan habitualmente lecturas distintas. Seguir haciendo coincidir el relato socialmente legitimado con lecturas nuevas y con la presión de los otros relatos que han sido dejados de lado en el tiempo, seguirá siendo también un hecho político.

El olvido como relato

El olvido no es posible como relato. No puede haber un agujero en la historia, ni un salto cronológico, en el que se quiera ubicar un puente que desde determinada fecha del pasado llegue al presente sin escalas. Pero aquellos discursos que preconizan el olvido del pasado, están interviniendo políticamente para suplantar el relato vigente y legitimado culturalmente. Seguramente será por otro relato en donde ellos queden exceptuados de errores, o destacados de cierta manera casi heroica.

Por eso, no hay plebiscito, ni justicia dilatada que pueda exterminar los relatos sobre el pasado. Por eso los actos y los feriados dedicados a la memoria son entendibles como un espacio y un momento donde revalidar, pero también disputar con otros relatos, el predominio sobre el recuerdo del pasado.

Así es como en la plaza de ayer también se vieron matices en el ejercicio político de la memoria. Algunos sectores de la izquierda disputando con las madres y abuelas a las que consideran seducidas por un oficialismo que hace demagogia con los derechos humanos. La prepotencia de la disputa por el recuerdo llenó de bombas de estruendo el espacio de la plaza cuando los artistas desde el escenario intentaban ser escuchados por los el resto de los que habían asistido. Potenciados por una cantidad de parlantes que por momentos pisaba el discurso del escenario principal, mostraron su bronca y su descontento por no ser incluidos en la convocatoria general en la que querían participar hablando mal del gobierno desde el centro de la plaza. Optaron por la periferia, y arriba de un remolque desde el que curiosamente también transmitía encaramado uno de los canales de la corporación mediática más criticados -C5N-, dijeron lo suyo.

La memoria no es la capacidad de almacenamiento

La ciencia se ocupa actualmente de buscar la posibilidad de ampliar nuestra memoria. Primero con los dispositivos de almacenamiento, y luego con la incorporación, cada vez menos de ciencia ficción, en nuestra propio cuerpo de elementos que potencien nuestras habilidades para registrar y guardar datos.

Inclusive, ya con las redes, la información acerca del pasado que podemos manejar, nos rebasa. Pero lo importante sigue siendo cómo hagamos hablar a esos datos. Esos datos por sí solos no constituyen un recuerdo. La memoria es y seguirá siendo el relato de los hechos, la combinación de esos datos en una orientación precisa.

Por eso, evitar la repetición del pasado no se logrará con solamente conocer algo de esa bastedad inabarcable que es la historia, sino a través de una política determinada sobre el recuerdo.

Soy el rey de mi país que es Larelandia

2010-03-22T23:15:00.005-03:00

Benito Laren (48) tiene un personaje público excéntrico y enigmático, pero quien baja a abrirnos la puerta para comenzar la entrevista es una persona que no da con ese perfil. Es correcto, usa la camisa adentro de un pantalón de vestir, habla del clima, y sí, es calvo. Nos presenta a su hijo de dos años, a su mujer, nos muestra fotos de sus obras y exposiciones y nos convida agua para reducir los efectos del calor. Igualmente detrás de toda esa moderación brilla una mirada pícara e infantil, como si estuviese a punto de hacer una travesura o transformarse en el otro, en el que usa una peluca extravagante.

-Usted trabaja con el humor y lo lúdico como una excusa expresiva. ¿Cómo llega a esa elección?

-Es que yo soy Técnico Químico, pero lo que más me gustaba hacer era escribir y dibujar. Yo lo que quería, como siempre miraba la televisión, era ser famoso. Y ahí decidí dedicarme a la pintura, pero era todo muy serio. Así que empecé a jugar con los títulos de las obras como si fueran un chiste.

-Seguramente este juego también le sirve para lograr un personaje que lo resguarde. Es un poco tímido, ¿verdad?

-Puede ser. A mí me gusta mucho hacer reír a la gente, desde siempre. Cuando iba a dar la lección en la escuela, todos se reían, aunque yo no hiciera nada. Se ve que ya soy así, todo lo que digo causa gracia. También lo debo haber tomado de mi papá que siempre está haciendo chistes.

-El personaje que usted creó tiene todo un atuendo especial. ¿Cómo surgió el uso de la peluca y los anteojos?

-La peluca apareció en un viaje a New York. Hacía mucho frío, y entre ponerme un gorro o una peluca, era mejor ponerse una peluca. Y los anteojos son como un complemento. A mí me gusta actuar y así es como que no me siento yo.

-En sus cuadros se refiere a temas como los OVNIS. ¿Cree en realidad en este tipo de fenómenos?

-Yo creo que soy extraterrestre. Claro, porque veo que está todo dado vuelta de como uno piensa. Estuve estudiando el tema de los OVNIS, de la gente que viene acá y se comunica. Nos reuníamos todos los días con un grupo hasta que me di cuenta que estaban bastante locos. En un momento se les ocurrió decir que iba a pasar un cometa y que iba a causar un cataclismo y ahí me fui. Pero algo pasa, porque hay cosas que uno no puede explicar.

-Usted ha pintado varios ídolos populares argentinos. ¿Cuál es el significado de esto en su trabajo?

-El gusto de la gente va cambiando y ahora se está demandando eso. Tenés que estar viendo todo el tiempo qué es lo que buscan. Lo que más se vende ahora son las copias -y muestra una copia intervenida de "Los girasoles" y otra de "El dormitorio en Arles" de Van Gogh- de pintores conocidos, porque la gente no puede comprar el original que sale carísimo. Mis pinturas son inclusive más brillantes que el original. Les pongo brillantina.

-Pintó un cuadro sobre Maradona, ¿qué opina de él?

Me gustó pintar el retrato de Maradona. Lo hice para la feria de Arte BA del año pasado, pero aún no se vendió. El miedo que tengo ahora es que me quede de clavo.
-¿Pintaría algún cuadro sobre la presidenta?

Justo en este momento estoy por pintar un retrato de la señora Presidenta. Es para una muestra que será en una galería de Palermo Hollywood en el mes de marzo. Lo haré en un estilo entre Warhol y Pettoruti. Estoy trabajando sobre una foto que se la ve muy linda. Se ve como una estrella de cine. Me tendré que esforzar mucho porque tendrá que ser una obra excelentísima.

-¿Qué opina acerca de ella?

-La presidenta es atractiva, tiene su belleza, es una lástima que se dedique a la política. La veo más como una artista de TV o actriz de cine de Hollywood. Se la ve súper inteligente y yo como una persona común no logro comprender bien qué es lo que hace. Cristina es como la Virgen de San Nicolás. Es mucho más respetada en el exterior y tiene problemas extras por ser mujer.

-¿Qué opina del arte contemporáneo argentino?

-Me parece que ya tiene demasiados artistas. Las galerías ya no los pueden atender a todos. Y además la gente que tiene mucho dinero para comprar, ya no tiene lugar para poner obras.

-Usted dejó en los 90' su trabajo en la ex SOMISA. ¿Es más dura la vida de artista?

-Yo trabajo tres veces más ahora, pero lo otro no me gustaba para nada. Con la pintura hubo un periodo en el que tuve suerte. Sí, tuve suerte que no me morí de hambre. Después comencé a levantar... cartones por la calle. Me ayudó mucho mi padre que era diplomático. Sí, enmarcaba diplomas en una casa de marcos. Allí aprendí a restaurar marcos antiguos, cosa que ahora hago para mis obras.

-En una entrevista dijo que quería hacerse millonario con la pintura, ¿está más cerca?

No. Eso fue porque en una época buscaba tesoros enterrados, pero con la pintura es muy difícil. Este año cumplo 25 años como artista plástico.

-¿Cómo es eso de que buscaba tesoros?

-Estuve diez años buscando. Marcamos varios tesoros. Busqué en Buenos Aires, Entre Ríos, Corrientes, Paraguay... Pero es un tema complicado, había que sacarlos con permiso del Estado.

-Usted usa materiales como papeles brillantes, brillantina, técnicas como el collage ¿hay algo de una nostalgia sobre su niñez?

-Yo tuve una niñez malísima. En realidad toda mi vida fue horrible. Pero en la niñez sobre todo, me aburría mucho. Mis viejos eran muy estrictos, trabajaban todo el día. Lo que sí, por ahí mis cuadros atraen a los chicos.

-Tiene un proyecto para TV, ¿en qué consiste?

-Hicimos un piloto con una productora. Es un programa sobre arte. Hay una sección en donde le preguntamos a la familia y a los vecinos qué opinan del artista. Uno que entrevistamos funde los soldaditos de su hijo en el horno de su casa y llena la cocina de humo, entonces su mujer se queja.

-¿Podría convertirse en un nuevo Federico Klemm?

-No creo que me podría comparar de ninguna manera. Estuvo bien lo que hacía Klemm. Igual él explicaba el arte según su propio mundo.

-Hay algo que aparece en su obra que hace referencia siempre a su apellido, con los nombres de sus obras, o cuando habla del "Laren show"...

-Es que yo trato de poner el nombre, porque no me siento yo, ese no es mi verdadero apellido. Además como quiero que la gente me conozca trato de ponerlo todo lo que puedo.

-Es una forma también de inventar su propia realidad, ¿no?

-Sí, yo soy el propio rey de mi país que es Larelandia. Mi país existe donde yo vaya, tiene un metro cuadrado.

-¿Cómo concibe un cuadro suyo, cómo lo crea, en qué se inspira?

-Primero busco el comprador y después lo pinto.

Publicación en BCN week

2010-01-21T07:15:00.010-03:00

Link:

http://bcnweek.com/index.html

O directamente a:

http://www.bcnweek.com/feature82.html#feature3

2000 2.0

2010-01-11T08:19:00.002-03:00

El sufijo “2.0” comenzó a usarse en informática desde hace mucho tiempo para designar segundas versiones de softwares. Hoy se lo aplica a la misma Internet tratando de relanzar el fenómenos de la red unido a la experiencia del trabajo y la participación de sus usuarios. La segunda década de este ya no tan nuevo milenio tendrá que demostrar si está a la altura de las fantasías que ese número “2” implican.

Youtube supone, además de una maravillosa idea, una arremetida contra las tradicionales leyes de protección a la propiedad intelectual. A medida que la red fue creciendo y los distintos prestadores de servicios pudieron hacer posible a costos razonables las conexiones de banda ancha, la información a compartir entre usuarios pudo desarrollar otras pretensiones de volumen. Así fue posible que a mediados de la década recién concluida, tres personas imaginaran y concretaran un sitio pensado para compartir videos. La mega corporación Google se los compraría poco más de un año después en una de esas cantidades de millones que uno ni siquiera puede comprender que algo, cualquier cosa, valga.

Este sitio funciona de la siguiente manera: cada usuario sube sus videos dando fe que no hay en ellos contenidos que violen las reglas que el mismo sitio fija: entre ellas evitar que se trate de pornografía, antisemitismo y cosas de gravedad similar, por las que el usuario sería dado de baja. Además, y aquí es donde entra el gran conflicto, hay que asegurar que tampoco utilizan contenido que esté protegido bajos las leyes del derecho de autor. La cuestión es que se trate de lo que se trate en la mayoría de los casos el usuario está utilizando música no original, trozos de videos que ha sacado de algún lado, fotos que no son propias, etc. Por lo cual la mayoría de los videos está usando sin permiso materiales protejidos por empresas productoras de música, de contenidos de video para canales de música, noticias, etc. Youtube tiene una suerte de detectores de estas irregularidades y va dando de baja, borrando de su servidor, los videos en falta. Igualmente los juicios se le amontonan por miles de millones y provienen desde todos los sectores de la industria del entretenimiento. Así y todo el sitio sigue en pie y cada vez promete mayores desarrollos.

La empresa ha fijado un criterio bastante particular para llegar a borrar los contenidos. Si el video es exactamente igual a uno original y protegido lo veta primero, pero si un usuario lo ha editado dejando algunas partes solamente, puede ser que permanezca más tiempo en línea. Así y todo hay casos en donde se han dado de baja videos de ediciones caseras de fotos, únicamente por estar acompañados con una música protegida de fondo.

Una de las situaciones interesantes que se ha dado en torno a esto es que como no se pueden publicar los videos que los grupos de música realizan para MTV por ejemplo, los usuarios han optado por producir videos ellos mismos para homenajear a sus músicos favoritos. Es así que el sitio sirve para que muchos videastas, estudiantes de cine, y emprendedores autodidactas se despachen con sus producciones en reemplazo de los videos oficiales que no están permitidos. Los mismos usuarios festejan y apoyan con sus comentarios a muchos de estos videos que están en lugar de los que se ven en la TV.

Fenómenos 2.0

Otro, y tal vez el más incontenible de los fenómenos de apropiación de la red y generación de contenidos por parte de los usuarios es el blog, en todas sus variantes y plataformas similares. Permite que cada uno se exprese de manera escrita, o incluyendo imágenes y links a sitios que alojan video como el comentado Youtube. Podemos pensar que el blog ha llegado justo cuando en el mundo la institución periodística da cuenta de una crisis de credibilidad histórica, y muchas de las voces que se comienzan a expresar en la red vienen a compensar las concentraciones mediáticas, las editorializaciones corporativas y las coacciones tácitas de las empresas que gestionan la información.

Igualmente hay que tener en cuenta que los blogs no son medios de comunicación masiva, ni muchas veces productores de noticias y mucho menos generadores de agenda. Informarse a través de ellos sigue siendo arduo y complejo y así también resulta el mantenerlos y llevarlos adelante. Así y todo constituyen una importantísima herramienta de tránsito no convencional de la información. Tal es así que se piensan asociados a un nuevo tipo de participación ciudadana en este nuevo espacio público que es la red.

En ese sentido están asociados a cierta utopía sobre la información que supone también el sufijo 2.0: mientras más comuniquen lo que saben, sienten y experimentan más podremos entendernos y por consiguiente formaremos comunidades más solidarias y tolerantes. A esta altura la red ya ha dado cuenta que los mismos vicios de las comunidades físicas suelen trasladarse a las virtuales.

Nuevos mapas cognitivos

La participación y la proliferación de los portadores de voces, supondría igualmente un panorama que modificase necesariamente las situaciones tradicionales del estar informado y de apropiarse de lo real. En este sentido sería una especie de correlato de otros fenómenos que la omnipresencia de Internet en los hogares ha ido instalando en los últimos años del 2000.

Hoy sitios generados a partir de tecnología 2.0 permiten generar una red de conocimientos compleja, que proponen un saber consensuado, en proceso y objetable por otros usuarios.

La potencia de buscadores como Google, ha logrado efectos que podrían ser estructurantes sobre la memoria por ejemplo. Al igual que la calculadora ha reemplazado el ejercicio mental para la resolución de operaciones matemáticas simples, el buscador más difundido de la red podría constituirse en un depositario de la responsabilidad de acordarse de determinado tema. La operación mental de relacionar un tema con el otro, de recobrar de ese lugar todavía y siempre misterioso que es nuestra propia memoria, datos, nombres, fechas, hechos concretos, ya es en muchos casos delegada en este buscador o similares.

Situaciones como estas suponen que la red como hoy la estamos conociendo, con sus alcances, dimensiones, y presencia en los hogares supongan algo que va mucho más allá de lo que propone el sufijo 2.0. No se trata de una utopía sobre la información en el mismo mundo que hasta hoy conocíamos, sino que se trata de una forma distinta de conocer el mundo, y eso será sin más, otro tipo de sujetos habitándolo.

CFK por CFK

2009-03-04T20:20:00.000-02:00

Cuando dos personas se llaman igual se las considera “tocayos”, pero cuando sus siglas son iguales, ¿cómo se las denomina? Un descubrimiento azaroso nos deja hablando de uno y de otro sin saber bien qué del film sale y qué del afuera entra.

Son riesgosos esos momentos en donde volvemos a una referencia de la niñez para constatar que las dimensiones que hacían que todo pareciese gigante y monumental, ahora nos devuelven un sitio compactado y terrenal, o cuando volvemos a encontrarnos con algún viejo amigo perdido o la primera chica de la que nos enamoramos, para darnos cuenta cómo las elecciones pasadas pueden darnos sustos en el presente. Igualmente hay casos en donde la sensación resguardada en la memoria, en los sentidos, en algún lugar que todavía nos agita en el recuerdo, se confirma, se rubrica, nos hace sentir de nuevo chicos, jovencitos despertando a un mundo de promesas infinitas.
Una amiga joven de un amigo ya no tanto, comenta sin ninguna timidez, envalentonada por algún diálogo que le dio confianza, que ella no vio nada extraordinario en Citizen Kane. La respuesta se la dejé a mi amigo que consideré tendría más tacto para pasearla discursivamente un rato de los pelos por una serie de accidentes geográficos que le acomodasen un poco las ideas. De alguna manera ese comentario hizo que flotara hacia el momento donde vi la película por primera vez. Recordé que tendría más o menos la edad de ella, que la vi de noche, en la era del VHS, con una novia, en la casa que nos había prestado su tía que se había ido de vacaciones. Terminé de verla solo porque mi compañía me había despedido con sus ronquidos, y me había dejado con toda mi excitación nocturna generada por una película de 1941, en blanco y negro. Y sí, revelación, epifanía en la soledad de la noche es el recuerdo.
Luego de eso la volví a ver varias veces más, pero como hacía ya varios años que no la veía, el comentario de esa jovencita atrevida me instigó a actualizar mi sensación sobre el film. Saqué mi viejo VHS, esperando que no tuviese hongos y por suerte carreteó contento por los cabezales plateados de la olvidada videograbadora.

“K” era sólo una letra

Todo comienza con el cartel de No trespassing (no pasar), y un travelling vertical ascendente recorriendo el mismo alambrado del cartel, hasta llegar a una reja que en su parte superior tiene como remate imponente la insignia del apellido del personaje, la “K” de Kane. Ahí quedé, a medias entre el recuerdo, y el doble asombro, por la sencillez y severidad del comienzo del relato, y la actualización del símbolo del imperio de Kane en algo próximo e inevitable: la política argentina. Los indicios hicieron, a medida que el acercamiento –mediante reiterados planos encadenados que van acortando la distancia– a la única ventana con una luz encendida de la tenebrosa casa que puede verse alta en el fondo, que una especie de sensación de salto se me instalara en la nuca. Así, como si una idea estuviese esperando el redoble de tambores para largarse a esa porción de cerebro que nos entera que realmente tenemos una idea. Luego de que la cámara ingresara a la habitación y se encontrara con un tenue nevado, para pasar al plano de una boca que dice cansadamente la palabra enigma, y la bola de nieve de cristal rodara hasta romperse, como un estallido también se desató la asociación contenida: Charles Foster Kane –el nombre completo del personaje– es, en sus siglas, CFK, y ahora otra vez lo inmediato, la vuelta del sueño a la vigilia para remitir no a la generalidad K, sino a su especificidad femenina: la mismísima presidenta. Sí, la idea salta y me entera que ambos tienen las mismas iniciales. El magnate –recién muerto– de los medios de comunicación, de la película de Wells y la presidenta, que muy amiga de los medios no se siente.

Rosebud

Lo último que dice Kane es “Rosebud”, y es ésa la palabra que llevará al periodista Thompson a recorrer a cada uno de los cercanos a Kane para tratar de entender a qué se refirió éste antes de morir. CFK había fundado un pequeño diario de espíritu joven e intransigente y en un tiempo había construido una red monopólica de medios de comunicación que lo habían convertido en una persona poderosa. Hasta allí el personaje no muestra signos de perder el equilibrio. Hastiado de su matrimonio encuentra el amor en una joven cantante, en medio de su campaña a gobernador. Ese es el punto de inflexión del film. Cuando es descubierto en su falta, por su adversario político y es amenazado con ser denunciado –paradójicamente en los mismos medios que él controlaba–, decide no renunciar a su nuevo amor y sufrir las consecuencias. Pierde la elección, se divorcia y se casa con la cantante, se fractura el fino equilibrio mantenido hasta allí y él se vuelve soberbio e irreflexivo hasta quedarse solo. Parecería que CFK, que ha sabido jugar tan bien el juego del poder hasta ese momento, no negocia su convicción amorosa y tampoco logra volver de su derrota. Su última palabra no es necesariamente el recuerdo feliz de la niñez, sino el último suspiro de lo más profundo de su llama mística, su humildad perdida, su propia y pequeña gloria, la ilusión que lo ha impulsado toda su vida.
Cuando escuchamos a CFK en algunos de sus discursos post conflicto con el campo, post derrota en el congreso, parece todo el tiempo remitir a esa palabra, al “rosebud” de la militancia, el ideal inocente y cándido que la pierde con los ojos al frente y lacrimosos, imaginándose a sí misma con el equivalente del trineo del niño que jugara en la nieve, aventuremos: jeans Oxford, lloviendo, y ellos corriendo, huyendo de una plaza revuelta, dificultados por las pancartas, llegan a casa con su compañero y hablan acerca de cambiarlo todo, mientras toman té caliente.
CFK no encuentra como volver sobre sus pasos y se obstina en reafirmar que ha tenido razón, no se ha equivocado y ha sido consecuente en su sensación de hacer lo correcto. Su único error, se dice a sí mismo, fue hacer lo que correspondía y ahora solamente queda luchar para lograr el equilibrio en el camino elegido, pero su cantante no canta como él quisiera que cantase, ni como el público espera que lo hiciese en un teatro. Y la debacle es mayor y onda, un precipicio que había mirado hasta allí desde arriba, ahora lo encuentra sumergido en el fondo sin que ninguna luz le quede encendida para mostrarle una vía de escape y de regreso. Esa es la única luz que vemos cuando comienza el film, la que cuando nos acercamos a la ventana se apaga. Lo único que queda es la palabra mito, aferrar la bola y esperar que esta vez no se escape de la mano haciéndose añicos.

Poeta y puteador

2009-01-08T00:07:00.000-02:00

Zambayonny, un gusto

Cuando lo empecé a escuchar, enseguida me arrancó una risa estruendosa. Es que la primera canción de Tu palabra contra la mía, el disco que se consigue en Internet, es La incogible, que dice por ejemplo: “Hoy me desperté con ganas de escribirle una canción/ a la incogible/ ...no era muy hermosa/ ni gran cosa/ pero sin razón/ era incogible/... probamos por las buenas/ con mostrarle la poronga/ y hasta con amor/ probamos sin orgullo/ sin chamuyo/ y escondiéndole en los yuyos el consolador/ probamos irrumpiéndole de a muchos en la casa por la noche/ probamos con alcohol/ ...pero era incogible”.
La risa suele ser un síntoma de complicidad, pero esa relación se fue borrando a lo largo del mismo tema. ¿Qué pasó? No sé, tal vez la brutalidad de lo políticamente incorrecto y el lenguaje explícito, se tornara repetitivo y un poco aburrido. Tal vez, lo mismo que pasa con otro personaje con el cual en un punto está perfectamente emparentado, el Mono Mario, termina dando la sensación de que no hay un afuera de la palabra usada como mala. Aclaremos antes, no se trata de puritanismo: lo soez no molesta por sí mismo, cansa cuando la palabra trata de valer solamente por su carácter transgresor. Igualmente, las aventuras a las que supuestamente se la somete a esta mujer que termina siendo por su negativa de asumirse sexuada –y coger de una vez por todas–, legendariamente aburrida e imposible, despiertan imágenes disparatadas y surrealistas, nada sencillas de obtener solamente ejercitando la palabrota. El tema termina como un tango, él viéndola vieja y arruinada, habiendo desperdiciado su potencial sexual, o por lo menos no invirtiéndolo en el narrador. Tal vez eso sea lo que moleste y dé risa a la vez, la obsesión y la frustración.
/Esta canción está inspirada en la recalcada concha de tu novia/, así empieza el próximo tema, Averiguá si cojo mucho. De la letra se puede rescatar, por ejemplo: “Cuando cojo no miento/ cuando cojo ya no pienso/ cuando cojo no pregunto quién soy/”, y ahí la risa se transforma en un parar la oreja para empezar a escuchar el poeta que hay en Zambayonny. Se empieza a entender que por suerte no está a la altura de los insultos a la nada, gratuitos y aniñados, y que en otro lugar hay una experiencia más valiosa, que pueda ser nombrada con una palabra que suena solemne, pero sí, digámosla: hay un artista.
No es solamente un tipo que putea, sino un letrista que incluye en sus canciones las más complicadamente básicas, cochinas y escatológicas de las formas del lenguaje. E inclusive, en el transcurrir del disco, se comprende también que hay una búsqueda en el imaginario sexual popular de las formas más rebuscadas e insólitas para nombrar el pene (no sólo “poronga”, “corneta”, o la graciosa “chota”, sino “la tira”, por ejemplo), la vagina (que, entre nosotros, no figura en el diccionario del procesador de textos Word) y el acto sexual.
Zamba, como se lo apoda, se atreve a lo que no se atrevió Pablo Granados con su incursión musical, su Bombacha veloz y demás, o a lo que en algunas letras picarescas insinuaba y hacía interruptus, Hugo Varela. No resguarda el límite de lo que no se puede decir, y en eso da la ilusión del artista sin fronteras y auténtico. Más auténtico inclusive que el súper auténtico Willy Polvorón, que en la misma línea de comparación se torna naif.

El anti trova

El problema para algunos parece ser quién es Zambayonny, pero en realidad eso no importa, puede ser Doctor en física, o un espécimen salido de, y aquí podríamos tentarnos con alguno de sus insultos extra large. En el programa de televisión,Tv abierta, el personaje decía que era psicólogo, pero que dejó la profesión: “Porque estaba harto de que me pagaran con la chota”.
Él mismo nombra a Ismael Serrano, y en algunos juegos de sus letras está Joaquín Sabina. Es un hombre joven, de barba, y pelo largo, tiene una voz que hace acordar a folcloristas como Cafrune, y un aire y una escena parecida a la de Facundo Cabral en una mixtura con Rodolfo Zapata. Toca la guitarra de una manera básica sin lucimientos, solamente para lograr un colchón melódico para una voz que tampoco busca entonación. ¿Por qué entonces hace pensar en un género como la trova?
Zambayonny es un cantor de protesta, una especie de vengador del esfuerzo masculino por conseguir partenaire sexual, eso está claro. /Cuando cojo ya no soy/ el boludo que anda dando vueltas solo/ bien peinado y vestidito/ persiguiendo un jamón”, dice en el último tema mencionado. Esa heroicidad casi revolucionaria, más la picaresca de la jerga, le permiten acceder a un nuevo tipo de modalidad de show, o renovar algo que en otros momentos fue el Café concert. No sorprendería que Zambayonny sea tentado por el ambiente revisteril, pero por hoy se atrinchera ganando espacio en un formato que bien podría ser un stand up musical.
El tercer tema del disco, El campeón de las boludas, comienza con un típico comienzo serratiano de los 70, “parapapeando”, es el trovador que anuncia que comenzará a decir cosas importantes y floridas en su elocución, para descargarse luego con: ”En moto/ en cuero/ rápido y en pedo/ a contramano, descalzo/ gritando, sin casco/ las pibas lo saludan/ es el campeón de las boludas.”
El cuarto tema creo que es el punto de inflexión. Se llama Tres cosas en la vida, y menciona tríos de palabras que designan diferentes perfiles de personas, para en el estribillo existencialista invitarnos a elegir entre las diferentes cosas con las que el mundo nos invita: “Poder, angustia y torta frita/ putas, reviente y soledad/ mierda, dinero y tocesita/ fama, poronga y cha cha cha/... tenés que elegir mi amor/ todo no se puede tener...”. Es el Zambayonny no trovador, que trasciende la frustración sexual, y con eso se acerca a la canción pop. De hecho, Andrés Calamaro lo mencionó elogiosamente en su blog, y no es para menos, el histórico haría dos discos con tres canciones de Zambayonny. Igualmente, las letras de Zamba, están lejos de convertirse en radiales, son largas y suculentas, y aunque con estribillos, las estrofas no suelen repetirse.
El punto más alto del trabajo musical de Zambayonny, está en Yo los considero mis hermanos, Amoxapina por joder, y en Mi amor están hablando mal de mí. En este último, el narrador intenta reflexionar con su pareja acerca de las críticas que recibe. En otra canción también se para en la vereda opuesta de lo que nombra como “arte conceptual”. Alguien tan extravagante como Zamba, quien tocara en vivo con una máscara de catch y con un distorsionador de voz, quien incorpora lo explícito haciéndolo convivir con lo metafórico, no puede necesariamente reivindicarse como algo diferente a lo conceptual, y así, mostrarse en bolas y enjabonado frente a sus detractores.

Soy prisionero de mi personaje

2008-12-13T11:18:00.001-02:00

En la terraza del hotel donde se hospeda esperando el show, Adán Jodorowsky nos recibe simpático y atareado en medio de los preparativos para su recital programado a la noche en una disco porteña. Es amable, y si por momentos parece bastante menor que los 29 años que tiene, en otros, luce como un experimentado rockstar. Oscila entre el joven que recién comienza en la música y el personaje que él mismo se ha creado. Igualmente hay algo en él, tal vez sea el humor que desprende el encarnar el mismo personaje ridículo que interpreta sus canciones, que hace que el tono de la charla sea, más que ameno, bastante hilarante.

¿Cómo surge esta suerte de cruce entre nombre artístico y personaje que es Adanowsky?

Antes me llamaba Adán Jodorowsky, empecé tocando con The Hell boys, que fue mi primera banda, tenía 15 o 16 años y toqué 8 ocho años con ellos. Después fui bajista para otros cantantes, pero yo quería salir a la luz, había visto a Elvis Presley, y quería liar como él y darles besos a las muchachas, entonces decidí ser cantante; pero tenía dificultades en comunicarme con la gente, abrir el corazón y la mente hacia ellos, y también recibir, estaba como bloqueado. Entonces decidí ir a México a ver un chamán, porque sabía que un psiquiatra no me podía ayudar. Él me hizo una operación chamánica, me dijo: “Vas a sentir que te vas a morir, pero no te vas a morir. ¿Lo quieres hacer?” Y yo le dije: “Sí, lo quiero hacer”, y allí comenzó una semana de magia, de locura. Estaba en mi cama, efectivamente, casi muerto, y sentí que me tronó el pecho, que se abrió, y ahí dije: “Ok, a partir de ahora tengo que cambiar de nombre, tengo que ser alguien nuevo, y a partir de ahora me voy a llamar Adanowsky”. Allí estaba en México en esa cama, me acuerdo que era en un lugar muy champa, como se dice allá, muy pobre, con los coches que pasaban, era terrible.

¿Hiciste alguna clase de ayuno?

Sí, yo solamente podía beber aceite de oliva. Y había ritos y cosas en esa especie de templo... Y cuando volví a París cambié de nombre y me decían: “Estás loco, la gente ya te conoce como Adán Jodorowsky”, y yo dije: “No estoy loco, voy a empezar de cero de nuevo”, y allí empezaron los conciertos y se llenaron más y más que antes y aprendí a dar algo y recibir algo y no ser tímido y cree el personaje de El ídolo, que tiene esa chaqueta de lentejuelas, que baila como James Brown, que besa a las muchachas como Elvis, que hace show con budú y todo eso.

Es un personaje que te resguarda de cierta timidez...

Sí, gracias a mi timidez he inventado a Adanowsky.

Y también te resguarda del peso del apellido

También, bueno, no he pensado en eliminar el apellido, pero sí, antes alguien que yo ha utilizado el apellido “Jodorowsky”, así que tenía que encontrar un nombre diferente, pero no lo he rechazado completamente, porque he dejado el “owsky”. Así que no lo rechacé, es mi nombre también.

¿Cuánto de Adanowsky hay en Adán Jodorowsky?

Todo (risas). Antes era un personaje, ahora me he convertido en ese personaje, me agarró, estoy prisionero de él ahora. Estoy obligado a tener bigotes (tiene unos muy finitos y graciosos), antes no tenía bigotes... Incorporé su gusto para vestirme, mira, tengo anillos (y muestra sus manos repletas de varios dorados y enormes). El tema es que ahora me gusta vestir así de verdad.

El personaje y tu música tienen mucho de humor. ¿El humor te resulta el catalizador de esas experiencias?

Sí, tomé todo lo que he vivido, todo lo trágico, y lo hago algo cómico, lo vuelvo alegre. Lo transformo, le pongo una historia, hago de eso una novela. No tenía ganas de contar mi sufrimiento ni deprimir a la gente. Quiero que la gente se divierta cuando escuche mi disco, entonces decidí optar por el sarcasmo.

¿Y ese personaje se creó también con ídolos tuyos de tu infancia y adolescencia?

Creo que todo cantante, canta porque tiene ídolos, de hecho yo los tengo: Little Richards, Al Green, Jerry Lee Lewis, Bowie, ACDC...

Tu escena tiene algo de Adam Green además

Sí, me lo han dicho. Él me gusta pero no me inspiré para nada en él. Yo era fanático de Tom Waits y de Michael Jackson...

Qué otras influencias reconocés: la cancón francesa, por ejemplo...

Sí, pero no me gusta la canción francesa. La buena me gusta, Gainsbourg, Jacques Dutronc o Boris Vian, pero el resto me aburre porque es intelectual y la música es algo que viene del corazón no de la cabeza, es algo que viene de las tripas. Otra fuente de inspiración fue el cine: Nino Rota que hacía la música de Fellini, las mismas películas de Fellini, Elephant man de David Lynch, Freaks de Tod Browning, Charlie Chaplin, Los hermanos Marx, Fred Astaire, y todo eso lo junté como una mezcla de cine, de imagen, pintura, Salvador Dalí también...

Todo eso sirve para la escena del show...

Sí, y para el ambiente que hay en el disco. Ahora estoy escuchando más folk que otra cosa, Neil Young o Nick Drake... pero este disco es una mezcla de todo lo que he vivido también, la muerte de mi hermano, crecer en una familia de artistas, lo místico... Y el disco cuenta una historia, habla de todos los estados anímicos de la vida de un ídolo, empieza sintiéndose mal, luego quiere ser un ídolo pero nadie lo ve, después odia la sociedad y hasta se quiere acostar con su madre, y al final se muere, pero siente que está más vivo que cuando estaba vivo y se da cuenta que todo lo que buscaba estaba ya dentro de él, que él es el universo, y así termina el disco.

¿Es el principio de una trilogía?

Sí, van a haber tres discos y Adanowsky cambiará de personalidad, siempre con el mismo nombre, pero ya no será el ídolo.

Y de tu disco anterior en francés Etoile eternelle, a éste, tenés varios temas en común...

Sí, están todas las letras en español. Es el disco que quería hacer, como vivía en Francia el disco anterior es en francés, y si no cantas en francés en la radio no te pasan, pero decidí ver qué podía pasar en Latinoamérica y España. Así que estuve buscando sellos, y por milagro encontré sellos en todos los países y el disco sale casi al mismo tiempo en cada uno. Finalmente hice el disco que quería hacer, le quité una canción de la edición francesa, hice más coherente el orden de las canciones, la tapa, el libro.

También has dedicado tiempo a la actuación.

Sí, he actuado en la película de Julie Delphy, 2 days in Paris, que tengo entendido que aquí fue un éxito, también en Santa Sangre de mi padre, películas de autores de la Nouvelle Vague, y algunos cortos, dirigí mis videoclips.

Y ahora también vas a actuar en la próxima película de tu padre...

Sí, el año próximo, la película se llama King shot, con Nick Nolte, Asia Argento, Marilyn Manson.

Y producción de David Lynch, ¿verdad?

Sí, exactamente.

¿Habías venido a la argentina alguna vez?

Solamente en el 2001 a bailar tango.

No es Adanowsky y su sonrisa burlona el que nos despide, es el joven, Adán, que con cierta timidez tiene un gesto y una mirada que parecen preguntarse si su actuación ha sido creíble y también si el público le permitirá seguir jugando.

El ídolo

2008-12-13T10:51:00.000-02:00

El viernes último, Adán Jodorowsky, el hijo cantante, del cineasta y escritor, Alejandro Jodorowsky, debutó en los escenarios porteños con la presentación de su nuevo disco en español. “El ídolo”, es el título de este material, y también el nombre del personaje que él ha desarrollado para mostrar en su show e intentar conquistar el público.

Se abre el telón y la banda comienza a hacer alarde de sus instrumentos vintage, y su sonido ajustado. Luqueados entre una suerte de Kings of Leon y The Strokes, los músicos construyen el colchón sonoro en el cual comienza a abrirse paso lentamente un flaco alto de bigote finito y chaqueta bordó brillante. Pantalones ajustados, camisa negra al cuerpo y abierta para que se vean los pelos en el pecho, el cliché llega al borde del escenario y se detiene contemplando su público con algunas muecas que recordarían a las de Sandro: es el ídolo. El público lo contempla con simpatía, pero el actúa como si lo hiciese con un desenfreno que lo cegara, y aprovecha para trazar los primeros pasos de baile con los cuales comienza a dar signos de su estilo y sensualidad. Es un dandy, es un ridículo, es un playboy, es un mamarracho, es un cóctel de sensualidad e ironía. El ídolo al principio no se vuelve tanto sobre sí, poniéndose en ridículo, se muestra sin fallas, es un fiasco, pero no trastabilla, todo está depurado para el show y la conquista de los corazones femeninos.
A diferencia de la seducción extravagante de Adrián Dárgelos (Babasónicos) Adanowsky, y su personaje el ídolo, tienen otro porte, otro físico y algo de la ridiculez se mezcla con buenos músculos y movimientos de baile estudiados y ensayados. Su escena se parece, más que a un estilo Adam Green, que deja ver las construcciones del personaje –y en eso se parodia a sí mismo–, al Beck de Midnight Vulture, en donde el circo freak se ordena borrando los caracteres que lo han configurado, para entregar un show pop.
La presentación es un tema en francés, con mucho rock, mostrando que la banda tiene un sonido consistente y diverso en el que pueden escucharse también los primeros toques de música de cabaret que estarán presentes en todos sus temas. Luego llega El ídolo, la canción que describe la intención de este personaje: hipnotizar al público con su voz y sus bailes sensuales. El histrionismo de las caras sugerentes del ídolo, son sí, el punto de ruptura del verosímil del galán y la entrada a la parodia de sí mismo. Es imposible creer que esas caras son otra cosa que la representación de la seducción melosa y exacerbada, y por lo tanto las primeras risas ya se escuchan con estruendo. La música también hace lo suyo, suena como proveniente de una boite de los 70’, y allí el ídolo se siente un adonis infalible, gira y no para de realizar movimientos de destreza a lo Elvis o James Brown.
Estoy mal, es el tema que sigue, en donde el ídolo, confiesa lo mal que se siente, “infinitamente mal”, su angustia frente a la búsqueda del público y la construcción de su identidad como encantador de masas. Sobre el final del tema hay una especie de coreografía de cabaret que comparte Adanowsky con otros dos músicos, datos de histrionismo y show que también más adelante incorporarán una muñeca a la que cortará con un cuchillo en una suerte de budú sexual.
El personaje del ídolo, o Adanowsky mismo, tomará la guitarra acústica para hacer un tema casi intimista donde habla del deseo de acostarse con su madre. Es el punto límite del grotesco que el personaje se permite, una canción no-show, de un tema tabú que no despierta muchas simpatías. Pero luego levanta el tono con otro de los temas pegadizos y fáciles de corear de su disco, No, en el que se escucha una melodía y una voz que recoge algo de Leonard Cohen y la tradición de la canción francesa. Habla del amor y de su sustancia etérea y onírica, con humor como en el resto de sus letras, pero con menos ironía y mayor reflexión sobre las sensaciones que el amor provoca.
Después del solo de guitarra de Etoile eternelle –que también canta en francés–, el guitarrista cae al piso y Adanowsky solicita a alguna chica del público para que con un beso lo reanime. Prácticamente todas las chicas presentes levantan la mano. Es que ese ídolo falso, esa creación que se burla de las fantasías de estrellato de los músicos y cantantes, recogiendo de cada uno a los que imita y parodia, rasgos distintivos, ese remedo de astro exitoso sex symbol, las ha conquistado. O tal vez ellas también juegan a ser las fans histéricas e incontinentes ante el charm, que despliega el galán. Pero lo cierto es que una chica sube y besa más o menos apasionadamente, no sólo al guitarrista sino a todos los músicos.
El show cierra con casi una performance. El ídolo, baja a mezclarse con su público, que prácticamente no lo toca, él es irreal, de otra sustancia, luego vuelve detrás de la valla de contención y convoca a una nueva ronda de besos a todas las chicas. Ahora besa a las que se lo piden, y a las que no también, porque las invita a que se entreguen, a que se permitan el desenfreno. Sube de nuevo al escenario, con cierta incomodidad, debido a sus pantalones ajustados, y con más pasos de baile entona un rock a lo Jerry Lee Lewis afrancesado, que tiene un estribillo parecido a “quiero llenarme de ti”. Luego de amenazar con quitarse la camisa, lo hace. Ese es el punto cúlmine: el cuerpo deseado, develado en el escenario, verdad o farsa, sensación o representación, el show ha terminado. El ídolo ha cumplido su sueño, ha conmocionado y besado a las muchachas y ahora espera, –¿en bata tal vez?– las visitas en su camarín.

El vicio de las series: Los Sopranos (primera parte)

2008-11-26T22:22:00.001-02:00

Es común en el uso de las tecnologías actuales apropiarse de algunas series norteamericanas clásicas o prontas serlo, de una manera abundante, glotona, rozando el abuso casi como si fuesen una droga sin la cual los síntomas de abstinencia comenzarían a hacernos delirar. Se bajan, se graban, se copian los dvd’s, se prestan bajo recomendaciones, todas situaciones de circulación bastante clandestinas y parecidas a las prácticas de consumo asociadas habitualmente con las drogas.

Es que esto sucede porque nos enfrentamos a cinco, seis, diez, temporadas seguidas de la misma serie, que, de engancharnos, nos sumergen en un universo continuo, agotador y magnífico a la vez en el que los personajes crecen –y no es una metáfora: pasan de ser niños a jóvenes, adultos a mayores, etc.– pierden el pelo, engordan o adelgazan, la serie cambia los guionistas van imprimiendo giros abruptos en la trama. Esa condensación de 6 años en nuestras manos, a nuestra disposición, para ser dividida en nuestro tiempo libre, es una responsabilidad que nadie esperaba, y así antes de renunciar a dejar de ver los capítulos, preferimos que se nos caigan los ojos, babearnos, que las moscas nos circunden como si estuviésemos a punto de la descomposición.

Hay algunas de esas series, con las que no entablamos un vicio adictivo por las circunstancias singularmente perversas en las que la práctica nos deja colocados, sino por ciertas características únicas que las separan de todo lo visto anteriormente: su originalidad. Los Sopranos es una de ellas.

Mucho se ha hablado sobre esta serie, pero poco seguramente de verla de esta manera, como si fuese un gran sándwich, que comenzamos a comer hoy, y guardándolo en la heladera lo terminamos en un mes, probando un bocado todos los días.

Nunca la había visto en cable y cuando me hablaban de una serie sobre la mafia, me imaginaba como se resuelven los conflictos en el verosímil que suelen llevar adelante estas realizaciones, así que prefería declinar las invitaciones. En un momento pude decir ¡NO!, hasta que probé, y ahí me di cuenta que había algo nuevo en esta serie. El género estaba desarticulado por algo que ya habíamos visto rozarlo antes en el cine, pero en clave de comedia: el psicoanálisis. En Analyze this (1999) o Analyze that (2002), Ben Sobel (Billy Cristal), es el terapeuta del mafioso neoyorquino Paul Vitti (Robert De Niro) que concurre a terapia por ataques de pánico; por la misma razón recurre Tony Soprano (James Galdonfini) a la Dra. Melfi en The Sopranos (1999-2007). Ambas se estrenaron el mismo año, pero la serie de TV apareció en enero, mientras que la película lo hizo en marzo.

Los patos

En el primer capítulo de la serie, Tony alimenta unos patos en su pileta. Los patos viven en su patio arbolado, en las afuera de New Yersey. Cuando éstos, por motivos estacionales, toman vuelo y se van del lugar que los cobijaba, él sufre un nuevo ataque. Los patos será un tema recurrente de análisis, Tony no puede hablar de las cosas que siente respecto del vuelo de los patos, y esa imposibilidad –de hacerlo discurso–, deriva en los ataques de pánico que lo dejan desmayado en cualquier lado. En su terapia, los patos, se asociarán con: el "vuelo" de sus hijos, tiene dos (una mujer: Meadow, a punto de comenzar la universidad, y un varón: A.J. dos años más chico) y un pre síndrome del “nido vacío”, pero esto no demuestra consistencia (Tony está preocupado por sus hijos, pero hay algo más); con la relación conflictiva con su madre (Livia Soprano); con querer ser parte de algo inocente y “puro” fuera de ese mundo violento en el que vive; y con la muerte.

En análisis pasará por todos estos temas, mostrando como a través de un hecho, el desplazamiento opera en el inconciente, haciendo que se problematicen otras cuestiones en el sujeto. A través del tratamiento de su síntoma, los ataques de pánico, que requieren de una terapia constante que desafía permanentemente sus convicciones arcaicas e hipócritas sobre la virilidad, la paternidad, la amistad y la solidaridad, este mafioso tensará ciertas imposiciones sociales que también lo dejarán en conflicto con su propia forma de ganarse la vida, que evidentemente requiere de un afinado mecanismo de barrida bajo la alfombra para que todo funcione. Los patos son eso: la posibilidad de otra vida, el sentirse atado a una tradición familiar que no quiere delegar en su hijo varón, el tener que dictar códigos a respetar al interior de su organización y juzgar a sus miembros respecto de valores un tanto desactualizados.

La nueva escuela

Los Sopranos se trata entonces de como un mafioso en su mediana edad y llegando al puesto de mando, hace crisis cuando algunos de los valores de la trama simbólica de su organización se encuentran demasiado atemporales. Una organización que se basa en no respetar la ley, debe hacer respetar alguna: una que ella misma se dicte. Esta ley, y más que nunca en esta época parece señalar la serie, está atada a los deseos de cada uno, y eso supone traiciones, mentiras, violencia y casi siempre la muerte de alguno de sus integrantes.

El psicoanálisis lleva a Tony a intentar manejar otras formas de control y dominio de la situación que no pasen por el exterminio físico, a ser un perverso más perfecto, más creativo y esto será lo que definitivamente, cuando recién sobre el final (debido a la necesidad dramática) la Dra. Melfi lo acepte, haga que la relación de transferencia lograda se rompa.

Es tal vez uno de los conflictos centrales y donde Los Sopranos es realmente diferente. La relación de transferencia es un eje. A su vez Melfi se psicoanaliza (su psicoanalista es el director

de cine Peter Bogdanovich: Last picture show, por ejemplo) y pone en conflicto su profesión, quedando al borde de pasar a formar parte de la lógica transgresora de lo mafioso. En un capítulo ella es violada, pero la policía, el estado no aplica la ley, no puede hacer nada debido a un problema de procedimientos, siendo que el agresor está bien identificado. En el final de ese capítulo, Melfi parada ante Tony, tiembla por pedir auxilio, sus labios parecen querer revelar la verdad que ha ocultado (Tony cree que sus lesiones se deben a un accidente de auto), largarlo todo, hasta que al final lo saluda como en cualquier otro final de sesión: renuncia a la posibilidad de la venganza, al afuera de lo social, aunque lo desea con toda su fuerza.

Como siempre que el psicoanálisis se hace presente en la cultura mediática norteamericana, incurre en un defecto que podríamos decir ya se trata de “la escuela”. Ellos creen en la genética, con una convicción religiosa: justamente, no pueden concebir una disciplina por fuera de lo explicable en términos estrictamente científico-empíricos. La genética es de alguna manera, rara y paradójica –que no hace más ruido en esta serie que en la teoría analítica norteamericana–, una causa y una no causa, de los ataques de pánico de Tony. Esto es: se descubre que Tony tiene antecedentes en su padre, y su abuelo, que también tuvieron ataques de pánico y a su vez, su hijo A. J., también comienza a sufrirlos. Obviamente, ¿cómo explicar a la vez, por la genética, y a través de una dinámica del yo que aprende y se apropia del mundo –de la que se ocupa el psicoanálisis–, el mismo síntoma?, es inverosímil tanto en esta serie como en el resto de la teoría psicoanalítica mediático-hollywoodense.

Los sueños

Si en Ally McBeal o Scrubs encontrábamos la ensoñación como relato, en Los Sopranos, nos exponemos a lo puramente onírico. Ally (de Ally Mc Beal) o J.D. (de Scrubs) por ejemplo, imaginaban ciertas situaciones en donde se reivindicaban o cumplían sus deseos, y en la trama de una comedia rendían sus frutos, eran relatos divertidos e imaginativos por los cuales se revelaba la psicología del personaje. En Los Sopranos, directamente hay un relato del sueño y esto debe ser la primera vez que se ve en una serie televisiva. Hay dos capítulos en donde la mitad de los mismos están compuestos de sueños de Tony.

Por medio del sueño, Tony, se da cuenta, o acepta, que uno de sus amigos lo traiciona pasando información al FBI. A través del sueño, reconoce su deseo por la Dra. Melfi, relacionado –según se enterará– con las particularidades de la transferencia clínica. Es en el sueño en donde, luego de una experiencia trágica, manifiesta estar perdido, sin poder escapar ni decidir sobre su vida, con una identidad incierta y desdibujada.

Las marcaciones de lo onírico son difusas, con lo que el relato gana en fuerza dramática y poética a la vez. El sueño no es en blanco y negro, ni blureado, ni con guirnaldas alrededor, y con esto Los Sopranos, le “habla” a un tipo de espectador alfabetizado en el consumo de producciones audiovisuales, y sobre todo cercano al cine. Las diferentes inscripciones de citas cinéfilas, sobre todo a los films de gángsteres, apuntan a eso también.

En la temporada final, hay un capítulo brillante que nos deja atónitos. Toda la relación analítica ha girado en torno a suposiciones, debido a que las actividades de Tony son ilegales, hay información que no puede darle abiertamente a Melfi. Después de tantos capítulos uno se acostumbra a esta especie de pacto que a veces establece la terapia en términos un tanto confusos, pero cuando en ese momento Tony confiesa con detalle hechos a nadie revelados y solamente compartidos con lo que sabe el espectador, el nivel de empatía y complicidad se lanza por los aires en escalas que nos obligan a aullar, aunque pronto nos damos cuenta que es un sueño.

La familia

Family guy, fue uno de los títulos que se manejó en un principio para la serie. Esto es porque Tony representa, más allá de su ocupación, el punto límite de la resistencia del modelo de familia que gira en torno al padre como proveedor y regente. Tony funciona, por características culturales, como prototipo del más acentuado y rancio machismo, como un grotesco del padre de familia que intenta conservar para sí ciertos privilegios y regirse por una ley diferente de la que usa para juzgar al resto del grupo.

La serie muestra como la independencia de la mujer ha llegado a la mafia: Carmela Soprano, se atreve a intentar separarse debido a uno de los engaños de Tony. Aunque no es explícito, la misma liberación del género la deja expuesta a un miedo que hasta ese momento no había manejado: que Tony la dañe, o directamente la mate. Su interés por saber qué pasó con la mujer de uno de los mafiosos es significativo al respecto. La posible disolución de los vínculos la hace temer de Tony, solamente sus hijos están resguardados de la violencia y la revancha del capo. Al igual que en la organización mafiosa, no hay un afuera de la familia. Tony se lo hará saber mediante el control y la obstaculización del proceso de divorcio.

La homosexualidad

Es interesante cómo el comienzo de los conflictos que configurarán la trama final de la serie se generan a través del planteamiento de este problema. Uno de los miembros de la organización es descubierto y acusado. Tony, al intentar mediar por él, para lograr una salida “no tradicional” a esta situación, se mete en problemas que tendrá que afrontar hasta el final de la serie.

Tener que asumir el papel de llevar adelante las sanciones disciplinarias, las desobediencias y las situaciones que lo obligan a ejercer el rol, son las que lo hacen caer desmayado de una ira, que al no conducirse a través del discurso, al único lugar que lo lleva es al suelo. Su ejercicio terapéutico lo ha llevado a la tolerancia. Esa encrucijada que le planteaban una realidad avasallante y los viejos valores, que su psiquis resolvía en un síntoma que le apagaba el sistema, es suavizado con una intención de incorporar las diferencias. Pero la rigidez del modelo de la organización mafiosa es mucho menos contemplativa que su necesidad de integrar ambos mundos. ¿Por qué camino optará?

Viaje a Wes Anderson

2008-11-26T22:21:00.000-02:00

El personaje de una casi rapada Angelica Houston, les dice a sus tres hijos que han ido a buscarla hasta una suerte de convento católico en el Himalaya: “Tal vez podríamos intentar expresarnos sin palabras”. Los cuatro se sientan haciendo un círculo e intentan transmitir con sus rostros, tal vez por alguna forma extrasensorial, sus emociones y pensamientos.

La banda sonora comienza a desplegar un tema musical cantado por una voz similar a la de Jim Morrison, y nuevamente estamos viajando. Esta vez es un viaje por los estados de cada personaje, qué es en lo que está pensando cada uno, cuáles son las imágenes que los convocan, y enlazadas éstas nos devuelven un film imaginario. Todo suena al ambiente de los clásicos “acid trip”, de la misma época en la que habitaba esa música que nos hace escuchar. Sin embargo los personajes de Anderson, tienen los ojos abiertos, y en ese momento están “limpios” y listos para irse a dormir.

Los sueños y las repeticiones

Dos invitados a realizar pequeñas intervenciones son reclutados en esos recuerdos: Bill Murray, presente en cuatro de los cinco films del director (todos menos el de su debut) y Natalie Portman, con quien Anderson había rodado un corto anterior, Hotel Chevalier, especie de preludio o introducción a Viaje a Darjeeling, contando el noviazgo del personaje de ella con el interpretado por Jason Schwartzman.

Schwartzman es otro que vuelve a aparecer como actor -y esta vez también como coguionista de Viaje a Darjeeling-, ya que había protagonizado la segunda película de Anderson, Rushmore, en la que interpretaba a un rezagado estudiante de una escuela privada prestigiosa que se enamoraba de una profesora.

Los retornos se completan con el infaltable Owen Wilson, que ha estado en todas, menos en Rushmore, como actor, con la particularidad además de que en los tres primeros largometrajes ha trabajado también como coguionista junto a su amigo Wes.

El mundo neurótico

El viaje se aborda con la excusa espiritual, pero a los cinco minutos los hermanos comienzan a sacar una serie de remedios indios para la tos, calmantes, pastillas de las más variadas y ocurrentes que consumen constantemente. Los personajes están trazados con un marcador pesado de tal manera que se constituyen en clichés de sí mismos: Francis (Wilson) es el que ocupó el lugar de la madre ausente, Peter (Adrien Brody) el del medio unido al padre y sufriente ante al poder de Francis, Jack (Schwartzman) el más chico y por tanto sobreprotegido.

Lo único que puede configurar este mundo excesivamente neurótico y compulsivo, es el ridículo. Como en todas las películas de Anderson, los personajes juegan al límite del dandismo extravagante y la freakez más frita. Se los ve llevando sus manías al extremo, como si fuera parte natural del aire que deben respirar, hasta que en un momento descansan, se relajan, se conectan y se aceptan.

La hermandad freak

En todas sus películas encontraremos grupos vinculados por condiciones de exclusión de lo social. Asociados por intereses ridículos como en Rushmore o en The Life Aquatic with Steve Zissou, directamente hermandad sanguínea en Darjeeling o parentezco como en The royal Tenembaums. A pesar de que muchas veces Anderson parece sugerir que el ridículo y lo inexplicablemente surreal se esconde detrás de cualquier historia de vida, marca las diferencias de quiénes son los personajes que como un virus desperdigan su excentricidad, su fuera de lugar, y los que son contagiados por éstos, su víctimas irremediables.

Los personajes virus se mueven juntos, en grupos. En este caso los tres hermanos irrumpen en el tren causando algunos estragos menores, pero infestándolo de una dosis de caos determinante para que sean expulsados y abandonados en medio de la nada en un país desconocido.

Una vez que son abandonados nuevamente, por el tren ahora y no por su madre como cuando eran chicos, los hermanos tienen la experiencia de viaje en el desierto, en donde se “entonan” con el sinnúmero de drogas legales que pudieron conseguir apenas llegaron a India. El “viaje” de la película de Anderson, no está marcado como en Fear and Loathing in Las Vegas de Terry Gilliam, con el grotesco de objetos inanimados que comienzan a hablar, o percepciones desordenadas.

En Darjeeling, el viaje, está indicado por el trasplante de época. El peinado y los bigotes de Jack (Jason Schwartzman), las gafas de Peter (Adrien Brody). Todo indica un regreso a fines de los sesenta, principios de los setenta. La textura y el color en el que la fotografía nos habla, también nos inclina hacia esos años. La cámara en algunas escenas en particular, utiliza zoom, detalle prohibitivo en el cine comercial, que recuerda a las técnicamente desafiantes películas de Bruce Lee, sobre todo en las apariciones de la amenaza, del enemigo, del “malo”.

Cita con otra época

No es una película ambientada en los 60-70’s, son personajes de esa época transplantados en la actualidad. Reeditando ciertas búsquedas de aquellos momentos, como si hubiesen llegado viajando en el tiempo –una vez más la idea del viaje y la metáfora que ésta vehiculiza- portando ciertos objetos y características del pasado.

La cámara deja más pistas, los muestra en plano contra plano en los diálogos y muy pocas veces integrados a todos en el mismo. Típicas elecciones de aquellas estéticas. Cuando están en el desierto alrededor del fuego, “colocándose”, la mítica road movie Easy Rider de Dennis Hopper y Peter Fonda, aparece casi como en una cita directa.

Una vuelta a la niñez

Los personajes han quedado fijados en su infancia, en el abandono mismo de su madre. Esa fijación, es señalada con todas estas marcas que Anderson nos coloca. Hay algo de viaje iniciático también, la India, las drogas, la música. Algo de la fantasía de descubrimiento Beatle en la que ha quedado marcada la época.

El director ha dicho en una entrevista: “Sí, casi sin darnos cuenta. Jason Schwartzman parece uno de ellos, con ese bigote y paseándose con ese traje y descalzo, como si estuviera en la portada de Abbey Road.” Si bien tiene en la banda sonora alguna música de sítaras, Anderson elige constantemente para ambientar, el mismo rock occidental que en esos momentos debieron escuchar los hermanos.

Y la madre los vuelve a abandonar. Y ellos vuelven a enfrentarse con los mismos miedos que cuando eran pequeños, y a representar los mismos papeles. Las maletas del padre muerto recientemente, que transportan durante toda la travesía, son el pasado hecho objeto, los recuerdos, sus traumas y el desenlace del film tiene que ver inteligentemente con eso.

El director vago

Anderson ha contestado sobre Darjeeling: “Mi prioridad es contar historias nuevas que entretengan. Hay quien dice que hago películas para rascarme el ombligo o para demostrarles a todos que soy cool. Otros dicen que siempre hago la misma película. Sí, hay cosas que se repiten. No me importa que mis obras sigan una misma corriente de pensamiento o que se las coloque juntas en una estantería. Pero me sorprende que se diga que The life aquatic es como Los Tenenbaum pero en un barco”.

Se lo defenestra como endiosa con demasiada rapidez a este todavía joven director. Se habla de él como perteneciente a la nueva generación que hace cine pero que no le importa el cine, o que se dedica a hacer películas que son videoclips extendidos. Por otra parte se lo reconoce como el que ha traído aire fresco a un cine norteamericano donde el no pertenecer al mainstream más duro de Hollywood a veces sugiere retomar críticamente hasta el hartazgo, en cierto regodeo de autoflagelación el despedazado sueño americano y las familias que lo encarnan.

Anderson ha traído imaginación, ironía, aventura y ridículo. Pero un ridículo que extrapola la evanescencia de una fantasía social pronta a desaparecer a otras características del comportamiento humano más arquetípicas.

La desescolarización desde la escuela

2008-11-26T22:20:00.000-02:00

Todo el tiempo los docentes estamos lidiando con los baches del sistema educativo. Nos tocan alumnos que han circulado por los planes de la ciudad, por otros provinciales, o extranjeros; heterogéneos en formación, patrimonio simbólico, y experiencias de vida. De esta manera, nos vemos obligados no sólo a adaptar nuestra estrategia pedagógica, sino a intentar saldar ciertas deficiencias sin las cuales los nuevos conocimientos que tratamos impartir se harían imposibles de comprender.

Una anécdota que recuerdo, la última tal vez, es frente a un texto que me encontraba enseñando, cuyo título era “La muerte del autor”. Un alumno se me acerca con una observación simple y contundente: no había entendido nada. Cuando empezamos a repasar, solos los dos, para tratar de evitar que su vergüenza genuina lo afectara en su intención de solicitar que se le explicara de nuevo eso que le había pasado por completo de largo como si no le perteneciera, y comenzamos a desandar el argumento definitivo del autor, concepto por concepto, entendí lo que realmente sucedía. Él no comprendía algo central, que provenía del título inicial: eso que se enunciaba como muerte, era una metáfora, y él, estaba intentado leerlo de manera literal. No se trataba de una muerte física, sino que era la desaparición simbólica de la figura del autor de lo que se estaba hablando. Recuerdo que respiré profundo tratando de ahogar con aire mi propio desconcierto y a través de una serie de ejemplos pudimos acordar de qué estaba tratando ese texto.

La pregunta que quedó flotando de esa experiencia es: ¿cuántas veces me habría pasado lo mismo? Es decir, creer que el simple sentido metafórico acordado, estaba siendo leído de manera literal. Y, dejando ese texto de lado, cuántas otras veces había ocurrido esto de suponer que el recorrido acerca de un tema estaba siendo comprendido, mientras que desde el título el resultado era desastroso.

Mi primera reacción fue repudiar el sistema educativo precedente: preescolar, primario y secundario. Después, despegándome de la frustración, pude pensar que la escuela, como cualquier institución, no es infalible. Pero no sólo eso, opera como explica un sociólogo de la educación en base al axioma: “de que el aprendizaje es el resultado de la enseñanza”. Ese alumno no podría operar en el mundo sin saber lo que era una metáfora, por lo menos si se trataba de un alumno que no estaba en pleno brote psicótico, imposibilitado de ver el mundo en un sólo nivel de significación. ¿Qué era lo que le impedía leer una metáfora como tal? La misma institución lo había acostumbrado a la literalidad que lo ubicaba en un papel tal, que, como si fuese una especie de esponja, solamente era impregnado de saber mientras más fielmente asimilara las salpicaduras desparramadas por el encargado de impartirlo.

Me permito citar:

“...las escuelas dividen cualquier sociedad en dos ámbitos: ciertos lapsos, procesos, tratamientos y profesiones son "académicos" y "pedagógicos", y otros no lo son. Así, el poder de la escuela para dividir la realidad social no conoce límites: la educación se hace no terrenal, en tanto que el mundo se hace no educacional.”

Illich, el autor de este fragmento, termina casi pidiendo la cabeza de las instituciones educativas. Yo soy más tímido para estas cosas, y creo que desde la misma institución, sin irnos todos de todos los ámbitos, podemos seguir generando alternativas para pensarla y modificarla. Y creo que el comienzo pasa por hacer concientes y luego deconstruir algunas prácticas que tienden no a la formación sino al formateo desconsiderado, al bloqueo imaginativo, a buscar la respuesta conductual. Hay que tratar de enseñar que a la universidad se va a tener una experiencia de aprendizaje, no a aprender, así, con la fuerza clausurante del infinitivo. Que lo enseñado en la universidad puede ser criticado y contrastado con la experiencia del afuera, que todo conocimiento no es utilitario: el estímulo de las capacidades de abstracción es un fin en sí mismo, la mismísima fuerza que permite que no practiquemos las mismas técnicas sobre realidades cambiantes, sino que podamos pensar el hacer respecto de nuestras propias necesidades y las del entorno.

Creo que la desescolarización, es un poco la desrobotización del alumno y el replanteo del rol del docente para lograrlo. Y no me refiero con este concepto a la utilización de por ejemplo una herramienta como una “guía de lectura” para acceder a un texto. No, no creo, que marcar el sentido del conocimiento que se quiere impartir sea el problema. Creo que el problema surge cuando clausuramos, cuando excluimos otras formas de saber como experiencias válidas, cuando ignoramos los caminos alternativos hacia el conocimiento, cuando tratamos de fijar en el alumno su papel de tal y no intentamos convertirlo en un sujeto que pueda autogestionar su propio saber.

La enseñanza de lo que no se sabe

Otra anécdota, ésta más interesante, es la que cuenta el filósofo Jacques Rancière, sobre un profesor francés que comienza a dar clases en una universidad holandesa. Mucho de sus nuevos alumnos, no hablaban francés, y él no hablaba holandés, por lo que estaba bastante limitado en su enseñanza. A Jacotot, este es el nombre del profesor, se le ocurre entonces, dejarles a sus alumnos, en un periodo anterior al comienzo del curso, una edición bilingüe (francés-holandés) de un libro. No esperaba demasiado de esta experiencia, era tan sólo un intento, y bastante desesperado y azaroso –ya que se había encontrado por casualidad con la edición reciente de este libro– de intentar tener algún avance que le permitiera poder comenzar en un nivel más o menos aceptable el dictado de sus clases. Para su sorpresa, al terminar el plazo, sus alumnos habían conseguido redactar en francés las respuestas sobre el significado del texto que él les había dejado. Cotejando la correspondencia de las palabras y su ubicación, habían llegado a un léxico y una gramática. No tenían un manejo fluido de la lengua, pero estaban listos para empezar con lo necesario del curso. Jacotot, entonces, se hace una pregunta: ¿cómo es posible que ellos hayan aprendido sin que yo les haya enseñado cómo debían hacerlo? y más aún, ¿cómo he enseñado algo que yo desconocía?

Creo que en esta anécdota hay algo que explica un poco también la pregunta inicial de este breve artículo, que tal vez vaya más allá de las que se hace Jacotot: ¿cómo puedo enseñar algo que intuyo que no saben, pero que no sé qué es? La manera de lidiar con los huecos que la institución va dejando en sus enseñanzas, con la anacronía de los planes de estudio frente a la realidad simbólica, con las faltas de atención de los alumnos en los distintos momentos del trayecto educativo, es imposible que se logren saldar con la reposición del docente.

En la anécdota, Jacotot, interesa a sus alumnos, los desafía, les muestra un camino y les da su confianza que pueden lograrlo a través de las mismas consignas que les entrega para resolver el problema.

Lograr alumnos creativos y tratar de interesarlos para que afronten la resolución de problemas, no exige necesariamente el clisé del docente-clown, que debe interpretar papeles como si los alumnos estuviesen esperando entretenimiento. El docente es el mismo, lo que debe entenderse es que el discurso a manejar debe ser distinto.

No trataré acerca de una metodología, justamente creo que desde el espacio en el que estamos situados, se trata de buscarla y encontrarla y volver a empezar permanentemente. No es un tema sencillo, es un tema para pensar y para intentar actuar al respecto, cada día en el aula, con el desafío de un auditorio en el cual debemos generar a la vez de las inquietudes acerca del tema tratado, una intención de pensarse como sujetos de conocimiento, pensar su práctica profesional, la institución que la brinda y lograr buscar y encontrar un camino hacia el aprendizaje.

Sorín en tren al sur, una fábula de los 80’

2008-11-26T22:17:00.000-02:00

Veo La película del rey de Carlos Sorín, de 1985. Julio Chávez muy joven, de voz más suave y mucho pelo, realiza una actuación excelente aunque hoy llevaría ese papel con mayor detalle y sutileza. Ulises Dumont impecable, el puteador por antonomasia en el imaginario argentino, no putea casi nada, es un productor ulceroso, sacrificado, que todo el tiempo lucha contra la realidad de la economía del film que ha sido abandonado por su financiador. Chávez espera agazapado en la certidumbre de que todo podrá resolverlo con unos pocos pesos y su propio deseo. David-Chávez se anima a recurrir a actores no profesionales, como suele hacerlo Sorín actualmente en sus películas. Toda una maduración le ha costado, que comenzó se ve, con la fantasía de que un director por él fantaseado podía llegar a hacerlo.

El elenco de actores no profesionales que recluta David-Chávez con Dumont viaja a filmar la película al Sur en tren. Sí, en tren al Sur. Tren, como los de Constitución o Retiro u Once, como los que van y vienen a Provincia. Tren. Recalco esto porque el tren es casi desconocido hoy fuera de Buenos Aires.

Las imágenes del film muestran unos vagones que actualmente no tienen ninguna de las empresas de este servicio, asientos cómodos, bien equipados, confortables, ¡un vagón comedor! Y esto no se debe a que corresponde al mundo de la ficción del film, sino a que eso existía realmente en ese momento. Había trenes que unían el Sur con la Capital y lo mismo el Norte y el Litoral y Cuyo, y por consiguiente todo el país.

Recibo un mail de un amigo que ha decido dejar todo y viajar. Por Sudamérica, por Argentina, por Centroamérica, dedicarse a viajar solamente sin más motivo. No es el único que conozco que ha tomado ese tipo de decisión para mí un tanto desesperada, alocada y poéticamente absurda a la vez. Me dice que va a estar en la estación de Federico Lacroze hasta las 21, porque sale a Misiones. Decido ir a ver si lo encuentro ya que es un amigo querido que hace tiempo que no veo y que no sé, debido a su no agenda, cuando podré volver a ver. La estación de trenes, de donde también sale el Ferrocarril Urquiza, está llena de reporteros y cámaras. Julio Bazán, el reportero, le pregunta a una chica si hace mucho que espera, sabiendo que todo el mundo allí espera más de 9 horas. Mi amigo me distingue, aunque yo no a él, desde el fondo del andén. Una cuadra nos separa de distancia y yo sólo veo a alguien que me parece que está “tirando malabares”, se agarra la cabeza llena de rastas y corre descalzo. Dice algo de la energía pero nota que lo miro un poco raro y deja que prime el argumento de que él ve mejor que yo. Se va a Misiones en tren, parece que algunos existen todavía. Recibo un mail de él, a los dos días, que me dice que el viaje duró más de treinta horas, y que yo también debería hacerlo porque fue una experiencia exótica.

El Sur era casi motivo de burlas hace 23 años. En el film, un funcionario da un discurso que registra algo así como que el Sur tenía problemas de integración o el resto del país con el Sur. Hoy, a esa región, Aerolíneas envía las tres cuartas partes de sus vuelos diarios de cabotaje.

Sorín, tiene tres películas más, estrenadas con éxito. Se ha ganado un reconocimiento merecido y es sin duda uno de los mejores directores argentinos, gracias a su poesía, a la aparente sencillez y lo despojado de sus relatos. Igual los 80’ podían con todos, Chávez con unas camperas de nylon y solapas anchas, Dumont con unos lentes esfumados hoy de retro moda. Ana María Giunta de madama emplumada y una multitud grotesca en el desierto chubutense no merecen otro adjetivo que el trillado, fácil y escapable, pero en este caso certero: fellinesco; o generemos otro más específico: ochomediesco. También el mejor Favio desempaca Sorín en un Sur todavía únicamente representable como lo polvoriento y lejano, para volver frustrado sin poder terminar su película, pero con el sueño del artista intacto. En tren vuelve el director. Sí, en tren, eso que antes de los 90’, como una fábula hoy podemos contar que existía, como existió un francés disparatado que quiso ser el rey de la Araucanía. De que un director quiere hacer una película sobre eso se trata el film.

Luces y apellidos

2008-11-26T22:16:00.000-02:00

Hay en el MALBA un video de Liliana Porter. Allí puede verse una pareja de novios de cera, unos muñequitos que forman una sola vela. La mecha está sobre la cabeza de él, cuando la cera chorrea como naturalmente siempre lo hace la cera de una vela, él llora. El video de Porter es divertido, ingenioso, técnicamente sencillo pero bien logrado. No dejo de pensar igualmente que si ese video lo hubiese hecho cualquier otra persona, Liliana Potter por ejemplo, no estaría ahí. Porter se ha hecho de un nombre, y el MALBA le viene dando cada vez más espacio. A cierta edad todos ya nos hemos dotado de elementos para determinar si una obra nos gusta o no. Nos hace llorar, o reír o pensar o querer salir corriendo, o reaccionar de alguna manera. Ya todos nos hemos dado cuenta que eso tiene que ver con nuestra propia historia por un lado y con el nivel de alfabetización que podamos llegar a tener sobre el arte que estamos espectando. El video de Porter ha logrado más que el resto de su obra minimalista y conceptual sobre mí, e igual sigo teniendo la sensación que son los vaivenes del mercado los que tienen instalado ese video que me gusta mucho allí y no la determinación estética de nadie.

En el Jardín Botánico hay muchos chicos y chicas, porque ese es el público que va a este tipo de eventos, reunidos para escuchar a un músico y dos poetisas. Una de ellas da por sobreentendido que la gente viene igualmente convocada por ellas y por el músico. La poesía no suele convocar esa cantidad de gente. Una se dedica a llevar poesía a la gente, la otra a llevar la gente a la poesía, por supuesto en un ambiente donde la mayoría fue a escuchar al músico, la segunda es más aplaudida y más escuchada. La idea es buena, un músico emergente, cuyas letras están repletas de imágenes y climas singulares, que modela su música él solo con su guitarra y sus pedales ahí mismo en el escenario, donde diferentes sintagmas, algunos improvisados, sampleados y loopeados en vivo van construyendo un diálogo, y al lado dos mujeres que cada dos temas leen unos 10 minutos. Parece intuirse en la oscuridad poética de la noche botánica que la poesía está funcionando desde su narrativización en los 90 de una manera parecida a la compositiva del músico. Unas capas que tienen que ver con lo predominantemente poético y otra con la conformación de un relato clásicamente narrativo. Es la estrategia que ha desarrollado como género para subsistir, para atraer el público joven y no le ha ido nada mal estos últimos años. Toda esa gente tolera de pie, es más aplaude (aunque lo hace cuando finaliza cada poesía, hecho que confirma que no están habituados a la escucha del género), y estoy seguro que a algunos inclusive se les llega a despertar casi como si hubiese sido una ocurrencia propia, muy despacito, las ganas de leer poesía. La idea de que la poesía no es tan aburrida y que puede ser parte del mercado de la lietaratura queda clara, el chico estremece.

El músico llora en algunos momentos spintteanos, como si fuese el muñequito de la vela. Hay algo en su voz y la simpleza con la que confiesa sus sentimientos más infantiles y dulces que a las mujeres enamora y que por lo mismo los hombres admiran y envidian. “Aristimani”, dice un amigo que no se puede aprender el apellido del músico, o que ya lo hace como gracia, “habla de la cañería y pareciera que se está desgarrando”. Aristimani-Aristimuño es de esos músicos que generan intimidad, una atmósfera de cercanía pudenda, a tal punto que despierta la sensación de que estaría bueno tomar algo con ellos, o que alguna vez se va a tener con él una charla en donde se cuenten cosas importantes.

El video de Porter-Potter, termina mostrando como la pareja de novios sigue bailando y girando mientras la cabeza del novio ha desaparecido y en su lugar se encuentra la llama de la vela frente a la cara de la novia. En un momento Aristimani-Aristimuño dice “me hice cargo de tu luz” y parece esa parte.

Extranjero de acá

2008-11-26T22:15:00.000-02:00

Todos en Buenos Aires tienen un extranjero en su mesa. “Ma…dru…gada”, qué es eso pregunta James, que lee la palabra en un cartel. Está repleto de ellos. Porque no sólo son turistas, vienen a vacacionar largamente por el país, o a estudiar cine o teatro, o a hacer una tesis sobre Borges o el “nuevo cine argentino” o las economías latinoamericanas, o a dar clases de inglés o danés mientras mejoran su español, y otras razones que en el fondo indican que el país les gusta porque es barato, culturalmente rico y ahora ofrece una capital diversa y abierta al mundo como otras grandes capitales.

Como nadie dice nada arriesgo: “Early morning”, “2, 3, 4 de la mañana” acota impulsivamente otra comensal. Estamos en la plaza de San Telmo, el ruido es mucho y todavía no es madrugada. James, otro James, que también está en la mesa, es traductor, así que lo participo de lo que ha preguntado su coterráneo y homónimo, que él no ha llegado a escuchar. “No”, dice, “no hay una única palabra que designe exactamente en inglés madrugada”.

Salvador es extranjero en Bolivia donde realiza trabajo de campo para hacer su tesis. Volvió en el verano aquí a su país de origen y parece que está deseoso de tener una aventura con una chica argentina, como si fuese un turista. Cuenta que fue a un boliche el viernes y recibió toda la descarga de la histeria en sus ser cuando se acercó a preguntarle a una chica que le gustaba como bailaba, su nombre. Ella lo miró y no le respondió. No se cansa de hablar de lo histérica que son las argentinas.

Andreas es suizo y dice que nunca estuvo con una suiza, aclara enseguida que le gustan las mujeres. Dice que en Suiza como hay gente de todos lados eso es común, y que como las suizas son más frías, él la mayoría de las veces estuvo con portuguesas o francesas. Sobre la histeria dice que él todavía no entiende muy bien a las chicas de acá, porque en otros lados parece que no pasa nada pero pasa y aquí parece que pasa todo el tiempo y al final no.

James, el traductor, es norteamericano y tiene de novia a una danesa. Vivieron 5 años en Dinamarca pero él no aguantaba más. Con todas las anécdotas que cuenta y las descripciones que hace parece decir: “Es todo tan perfecto y la gente es tan fría”. Le gusta Argentina y se quiere quedar un tiempo, pero la novia se quiere volver a Dinamarca porque por todas las cosas que dice y como gesticula parece expresar: “Se siente muy mirada por ser tan rubia”.

Salvador dice que en los boliches de Bolivia, las chicas se te acercan a hablar. Al revés que acá. Las mujeres desbordadas por el interés sobre los extranjeros, los encaran. Dice que al principio es muy extraño porque algunas son muy bonitas, pero que luego resulta más normal, y que las relaciones terminan siendo más “charladas” y amistosas ya que “no te podés llevar a todas a la cama”.

Andreas vio películas argentinas que yo no vi, y se maneja por San Telmo como si hubiese nacido allí. James conoce las cataratas y yo nunca estuve en Misiones. Los dos hablan excelente castellano. Igualmente hay una distancia cuando hablo con alguno de ellos que no podemos acortar, ambas partes sospechan todo el tiempo que el otro está queriendo decir algo que no es exactamente lo que se entiende, y frente a eso hay gestos diminutos pero permanentes de resignación.

La noche nos cambia de bar y hace que vayamos quedando pocos en el grupo. En una mesa del que estamos ahora, empiezan a tocar zambas, chacareras y al cabo de un rato pasan la gorra. La mujer que cumple la tarea no elige todas las mesas para pasar, elige las de los turistas. Cuando se acerca a nuestra mesa, me pregunta a mi de dónde somos. Sé exactamente que significa “madrugada”, y es justo esa hora, la misma que en esa mesa me encuentra desprevenido y balbuceando algo que no se entiende si es español. “Todos extranjeros”, dice ella, “me imaginé que él”, dice señalando a James, “era de acá”.